Archive for the ‘ Arte ’ Category

El confesor de las estrellas

Robert Hilburn con John Lennon en un estudio de grabación de Nueva York en 1980. BOB GRUEN

Robert Hilburn con John Lennon en un estudio de grabación de Nueva York en 1980. BOB GRUEN

JESÚS MIGUEL MARCOS Madrid 25/10/2010

Corría el mes de marzo de 1981 cuando Bono se sentó a la mesa de un típico restaurante americano en Burbank. Frente a él, el periodista de Los Angeles Times Robert Hilburn encendió una vieja grabadora. Su intención era hacerle una entrevista al líder de U2, pero para su sorpresa el que acabó siendo entrevistado fue él. Cuando el joven cantante irlandés se enteró de que Hilburn había compartido noches de juerga con Phil Spector, que John Lennon le llamaba para ir a cenar cada vez que visitaba Los Ángeles o que fue de los pocos periodistas en tener trato directo con Elvis Presley, le ametralló a preguntas sobre sus ídolos. “Bob Hilburn es demasiado modesto para hablar mucho de sí mismo. Como yo no sufro de ese problema, he llegado a conocerlo íntimamente, obligándolo a contestar algunas de mis preguntas a cambio de mis respuestas a las suyas”, escribe el propio Bono en el prólogo de Desayuno con John Lennon (Turner), el libro donde Hilburn descubre anécdotas íntimas de las estrellas del rock.

Que estos mitos de la canción se abrieran de forma confiada a un periodista responde a la cuidadosa estrategia de Hilburn, cuya actitud ante ellos estaba a medio camino entre el profesional y el fan. “Mi prioridad era que confiaran en mí. Algunos periodistas ponen demasiado de ellos mismos en la noticia, mientras que otros intentan mostrar al artista con la imagen que se tiene de él. Mi objetivo fue siempre presentar al artista tal y como era de la manera más precisa posible. De esta forma, se sentían cómodos y seguros hablando conmigo”, explica a Público Robert Hilburn. Sigue leyendo

El ojo de la Barcelona moderna

Una joven recibe a Himmler en el Prat

Una joven recibe a Himmler a su llegada al aeropuerto del Prat.-

 

ÁNGELES GARCÍA – Madrid – 25/10/2010

Puede que uno de sus reportajes más conocidos sea el de la Semana Trágica de Barcelona. Sus 38 fotografías originales, tomadas en el verano de 1909, formaron un álbum que se publicó en revistas nacionales y extranjeras. Pero la obra de Josep Brangulí (Hospitalet de Llobregat, 1879-Barcelona, 1945) no se detuvo solo en esos trágicos días. Fotorreportero ante todo y retratista metafísico de la Cataluña moderna, sus reportajes, conservados en el Archivo Nacional de Cataluña, documentan la transformación de Barcelona con todos sus cambios urbanos y sus conflictos sociales y políticos entre 1900 y 1945. Fundación Telefónica inaugura el próximo 11 de noviembre una exposición antológica en la que se exponen sus reportajes fundamentales, publicados parcialmente en su momento por Cu-cut!, Diario de Barcelona, La Vanguardia, El Noticiero Universal o Abc.

Comisariada por Valentín Vallhonrat y Rafael Levenfeld, la muestra rescata momentos inéditos o muy poco conocidos, como la llegada de Himmler al aeropuerto del Prat para entrevistarse con el abad de Montserrat en la búsqueda obsesiva de los nazis por el Santo Grial. Y, sobre todo, recoge la mirada escéptica y a veces desencantada de unos años en los que se pasó de la pasión revolucionaria al apagón de un mundo en el que todo se creía posible. Sigue leyendo

Picasso y Degas, cita en Barcelona

Bailarina de Degas y pintura de Picasso

CARLES RIBAS | Joven bailarina de 14 años, de Degas, y Desnudo amarillo, de Picasso.

J. M. MARTÍ FONT – Barcelona – 15/10/2010

A ambos les gustaban las mujeres pero a Pablo Ruiz Picasso (1881- 1973) le gustaba el sexo y lo practicaba sin complejos, mientras que Edgar Degas (1834-1917) fue sobre todo un voyeur atormentado, siempre rodeado de mujeres pero con fama de célibe. Pertenecían a dos generaciones distintas. Cuando Picasso llega a París por primera vez en 1900, Degas es uno de los referentes del impresionismo, cuyo mejor momento parece ya haber pasado.

Conocida es la pasión del malagueño por los grandes maestros; por los clásicos del pasado y por los que llegó a conocer. Pero entre la cantidad de trabajo académico sobre su obra, no había casi nada de su pasión por Degas. Fue una institución del prestigio del Sterling & Francine Clark Art Institute de Williamstown (EE UU) la que se atrevió a proponer una muestra sobre ello. Hace cinco años se pusieron en contacto con el Museo Picasso de Barcelona para pedir obras prestadas para la muestra. La respuesta fue: lo que ustedes quieran, pero lo haremos conjuntamente. Sigue leyendo

El talento nunca es secundario

Walter Brennan

Ace Cinema | Walter Brennan, en Río Bravo (1959), de Howard Hawks.

CARLOS BOYERO 23/10/2010

Una extensa nómina de intérpretes está en posesión de la capacidad de meterse en la piel y e la cabeza de sus personajes sin impostura ni afectación, otorgándoles vida y complejidad aunque siempre les toque estar en segundo plano

La defunción de esos actores y actrices etiquetados con el engañoso e injusto término de secundarios suele ocupar el espacio de una necrológica breve, a veces sin firma o redactada con tono aséptico, con la sensación de haber recurrido no a la agradecida memoria sino a la hemeroteca. Puede ocurrir que al llevar demasiado tiempo sin ver y oír en el cine rostros y voces que te resultan entrañablemente familiares, alguien te revele que ya se fueron de este mundo. Y tú, que les has admirado y querido, sin enterarte, porque su desaparición no tiene categoría de noticia trascendente.

Por ello, sorprende gratamente el despliegue informativo que ha ocupado la muerte de Manuel Alexandre. Sigue leyendo

Entender al primer Velázquez

'La educación de la Virgen' de Velázquez

La educación de la Virgen permaneció en un almacén de Yale durante décadas.-

BENITO NAVARRETE PRIETO 18/10/2010 

Asesor científico del Centro de Investigación Diego Velázquez de Sevilla y profesor titular de la Universidad de Alcalá de Henares.

Razones de índole personal me habían imposibilitado ver La educación de la Virgen directamente hasta ahora, aunque me atraía profundamente desde que vi el cuadro en una fotografía en 2005. Un reciente viaje -y la amabilidad de Laurence Kanter, con el que he podido estudiar la pintura- ha apartado cualquier duda que pudiera haber en mi cabeza.

Para dar un juicio definitivo el análisis directo es fundamental. Se trata de un cuadro monumental desde la distancia, que no deja indiferente. Necesita su tiempo para ser estudiado en su conjunto y en los detalles y muestra con notoriedad las heridas del tiempo. Cualquier análisis de la pintura ha de tener en cuenta que ha sufrido y que conserva huellas de un pasado de cambios y traslados. Pero lo más importante es que se puede salvar si se hace con conocimiento y experiencia. Ahí está el ejemplo de la restauración que hizo el Prado de La imposición de la casulla de San Ildefonso, que en algunas partes estaba incluso peor que el de Yale.

Es evidente que La educación de la Virgen fue arrancada violentamente de su enclave original, cualquiera que fuese, y que ha sufrido alteraciones de su formato. Incluso se percibe que ha estado doblada y que ha perdido materia pictórica en amplias zonas, sobre todo en las inferiores, que afectan especialmente al perro y al gato. Sigue leyendo

La libido del puente y la pasarela

Salginatobel Bridge

El puente de Salginatobel en Suiza de Rober Maillart en 1930

VICENTE VERDÚ 21/10/2010

“El puente no solo conecta orillas que ya están allí. Las orillas emergen como orillas solo cuando el puente cruza la corriente”. Esta sentencia de Heidegger podría ser el emblema de todo el libro de Javier Manterola sobre la estética de la ingeniería en presas o puentes que están cambiando la vida del mundo, y su vista también.

Javier Manterola, el ingeniero español que más puentes significativos ha diseñado en las últimas décadas, ha publicado La obra de ingeniería como obra de arte (Laetoli / F. Arquitectura y Sociedad) y con él se abren los ojos al automovilista o al viajero del AVE para degustar las gigantescas construcciones civiles de los últimos tiempos. ¿Un atentado contra la naturaleza?

Lo más atractivo de este libro ilustrado viene a ser la comprobación del excitante efecto que una buena construcción humana inculca en su entorno. Puentes o presas abovedadas como impensadas esculturas encajadas amorosamente en el lugar idóneo. Ondulaciones y curvaturas de hormigón y acero en las que se percibe tanto la libido del lápiz como la habilidad del cerebro y a una escala que deja pequeño al land art y hasta lo descalifica. Sigue leyendo

Muerte artística del protagonista

Fotograma de El bueno, el feo y el malo

SERGIO C. FANJUL – Madrid – 20/10/2010

Mientras muchas películas basan su éxito en la presencia de una superestrella, algunos van a la contra y se dedican a rehacer los filmes sin los actores. En su corto Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, el colectivo audiovisual Los Hijos (www.loshijos.org) recoge cuatro secuencias emblemáticas del cine patrio (el tren que llega al comienzo de El espíritu de la colmena, el puente de la M-30 en el que se cuelgan los asilvestrados chavales de Historias del Kronen, el basurero regando a Carmen Maura en La ley del deseo, la escena final de Amantes) filmadas sin iluminación, ni edición de sonido… ni actores. Solo se subtitula con los diálogos originales. Así, por ejemplo, se puede leer el texto de Carmen Maura (“¡Riégueme, riégueme!”) incitando a un basurero a empaparle aunque lo único que vemos es una anodina pared del cuartel de Conde Duque, Madrid, donde Almodóvar situó la escena. “Los exteriores en el cine español están planificados como si fueran decorados de teatro, muy bien iluminados, muy cuidados”, dicen desde el colectivo, “con este vaciado reivindicamos el cuidado por la ubicación geográfica tal como es, que está un poco abandonado”.

Que se rodase un remake de El bueno, el feo y el malo, el spaghetti western que Sergio Leone estrenó en 1966, no sería nada extraño. Lo raro es que se haya rodado pero sin bueno, sin feo y sin malo. Sigue leyendo

Un visitante daña con una navaja un cuadro expuesto en el Guggenheim

Óleo sobre lienzo "Booz recibe la herencia de Elimelec", del holandés Jan Victors (1619-1676), que actualmente se exhibe en el Museo Guggenheim Bilbao.

Óleo sobre lienzo "Booz recibe la herencia de Elimelec", del holandés Jan Victors (1619-1676), que actualmente se exhibe en el Museo Guggenheim Bilbao.

EVA LARRAURI – Bilbao – 22/10/2010

Uno de los cuadros incluidos en la exposición de pintura del siglo XVII del Museo Städel, de Francfort, que presenta el Guggenheim fue dañado ayer por la agresión de un visitante. La obra Booz recibe la herencia de Elimelec, de Jan Victors, sufrió una incisión de tres centímetros y seis rasguños en la capa de pintura al ser atacado con una navaja de pequeñas dimensiones por un joven que se identificó como “estudiante de Bellas Artes”. Los restauradores del Guggenheim consideran que el daño es “menor y reparable” y que tras el tratamiento “no será visible”.

El agresor fue reducido por los servicios de seguridad del museo y detenido posteriormente por la Ertzaintza. En el momento en el que fue inmovilizado se encontraba alterado y profería frases inconexas, según relataron los testigos. El museo interpuso una denuncia por los hechos.

La obra dañada estaba expuesta en la tercera planta del museo, colgada en el murete situado frente al acceso a la sala 302. El agresor llegó a ese punto del museo sobre las 11.17 horas. Una portavoz del Guggenheim relató que el visitante llamó la atención de la vigilante de sala al traspasar la línea de separación de los cuadros expuestos. Cuando se dirigió hacía él para advertirle que se alejara, levantó el puño en el que ocultaba el arma para atentar contra el cuadro. Las cámaras de seguridad registraron como la vigilante consigue agarrarle, aunque no pudo evitar una incisión. Los rasguños en la pintura se produjeron en el forcejeo que mantuvo con el agresor antes de inmovilizarle.

© EDICIONES EL PAÍS S.L.

Licencia para fotografiar

Fotografía de Santos Yubero

PEIO H. RIAÑO MADRID 22/10/2010

Con la llegada de los años del plomo y la represión, de la “muerte de la inteligencia”, los reporteros gráficos que documentaron y arengaron a las tropas republicanas con sus fotos en la prensa, tuvieron dos opciones: huir, como Agustí Centelles (1909-1985), o quedarse y camuflarse con nuevas ropas, como hizo Martín Santos Yubero (1903-1994). El fotógrafo madrileño, tras la derrota militar de la República, fue generosamente obsequiado con el carnet oficial de prensa del régimen franquista, que se encargaría de cerrar tantos periódicos y revistas que de 2.000 editados en la República, quedaron en 87, en 1945 (de ellos más de la mitad oficiales).

Su reingreso en el diario Ya fue el mismo día de la caída de Madrid, el 28 de marzo de 1939, y tuvo pase especial emitido por el general Andrés Saliquet para moverse libremente entre las tribunas del primer desfile de la Victoria, el 19 de mayo del mismo año. El mismo Santos Yubero que retrató el Madrid republicano, que corrió libre por los frentes de la defensa del Gobierno legítimo, se convirtió en uno de los decanos de la nómina e reporteros oficiales del momento y eso le otorgó un archivo único: nunca nadie estuvo tan cerca de un besamanos de Franco, nunca nadie en la plaza de toros de las Ventas con las tropas nazis desfilando o a los pies de la Cibeles, enterrada entre sacos terreros por el ejército de la República para protegerla, desenterrada por el Madrid fascista. Sigue leyendo

El genial naufragio de Val del Omar

Val Del Omar – Aguaespejo granadino [fragmento 1de4]

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS – Madrid – 05/10/2010

Inventor, cineasta, artista, poeta, visionario… ninguna etiqueta basta para definir a José Val del Omar (Granada, 1904-Madrid, 1982), figura única de la historia del cine y de las vanguardias españolas que murió en el olvido rodeado de sus inventos, sus cámaras, sus máquinas y sus latas llenas del cine más audaz, raro y misterioso que pueda imaginarse. Aquel cine, aquel feroz intento de modernidad en una España demasiado alejada de cualquier avanzadilla estética, se puede descubrir ahora en la exposición que le dedica el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: desbordamiento de Val del Omar, viaje único a lomos de un náufrago, un recorrido por la obra y la vida (esta vez, como tantas, inseparable) de un hombre con algo de genio loco, de chamán místico o de Dr. Frankenstein.

En la muestra que ahora abre sus puertas, y que permanecerá hasta el 28 de febrero del próximo año, emerge no solo el cine de Val del Omar sino la construcción de ese cine, el proceso creativo (“Soy una criatura enamorada de la creación, que vibra entre la teoría y la práctica”) y el lugar de ese rito creativo: el laboratorio. Sigue leyendo

El origen de Venecia como postal

Entrada al Gran Canal, vista Este, junto a la basílica Santa Maria della Salute, pintado por Canaletto en 1744.

Entrada al Gran Canal, vista Este, junto a la basílica Santa Maria della Salute, pintado por Canaletto en 1744.

CONXA RODRÍGUEZ Londres 13/10/2010

El pintor italiano Giovani Antonio Canal (1697-1768), conocido como Canaletto, se mosqueaba con facilidad con sus colegas contemporáneos. Quería ser el mejor y el más cotizado, y lo consiguió. El pique artístico y personal que protagonizó con algunos de sus rivales es ahora el hilo conductor de una exposición que reúne 55 obras de arte en la National Gallery de Londres. La muestra viajará después, en febrero del 2011, a la National Gallery of Art de Washington.

Canaletto aprendió a pintar en Venecia escenas teatrales con su padre; le quedó para siempre el sentido del lienzo como un escenario en el que se desarrolla alguna actividad y en el que ocurren cosas. En su caso, fue maestro también de las escenas arquitectónicas y de las perspectivas para paisajes urbanos entre cielos y canales o calles.

Dawson Carr, comisario de la exposición Venice: Canaletto and his rivals (Venecia: Canaletto y sus rivales) cuenta que “los venecianos no compraban las obras de Canaletto porque ya veían Venecia tal como era cuando salían a la calle, así que él encontró un mercado fuera de Venecia para sus cuadros. Los ingleses, a través deJoseph Smith, que después sería cónsul en Italia, eran los clientes más fervorosos del pintor. Este se fue primero a Roma y después viajó hasta Inglaterra a sondear de cerca el mercado en el que gustaban sus trabajos”. Sigue leyendo

Sally Menke, la creadora del ‘ritmo Tarantino’

Sally Menke y Quentin Tarantino

GREGORIO BELINCHÓN 04/10/2010

El estilo Tarantino, ese estilo de rodar películas que golpeó al público en 1992 con Reservoir dogs, ha perdido uno de sus puntales. Quentin Tarantino tiene un oído extraordinario para los diálogos y la música, escribe personajes antológicos y bucea en la historia del cine sin complejos. Pero a todos esos elementos los une una amalgama, el ritmo, y eso nacía de Sally Menke. El pasado lunes 27, Menke, de 56 años, la montadora de todos los largometrajes de Tarantino, fallecía en Los Ángeles mientras caminaba por un sendero en el cañón Bronson en el parque Griffith, una zona agreste de barrancos. El resultado de la autopsia asegura que la muerte le sobrevino tras un golpe de calor, por culpa de los 45 grados que marcaban los termómetros en el día más caluroso en la ciudad californiana desde que en 1877 empezaron a archivarse estos datos. Para Tarantino ha sido una pérdida devastadora en lo personal y en lo artístico Sigue leyendo

“Hay a quien le gusta jugar al golf, yo prefiero crear superhéroes”

 

Stan Lee, uno de los cerebros más inspirados de la historia del cómic.AFP

Stan Lee, uno de los cerebros más inspirados de la historia del cómic.AFP

 

ROBERTO ARNAZ LOS ÁNGELES 04/10/2010

Stan The Man Lee es un superhumano, aunque él se empeñe en negarlo. A sus 88 años mantiene una ilusión y una vitalidad envidiables, presume de un apodo que infunde respeto y ha acuñado hasta su propio grito de guerra: ¡Excelsior! Pero lo que de verdad le delata son sus superpoderes: es el único artista que ha sido capaz de mantener a varias generaciones de adolescentes, y no tan adolescentes, pegados a las páginas de sus cómics durante casi siete décadas.

Lee es el gran creador del universo Marvel, en cuya nómina de superhéroes figuran Los 4 Fantásticos, Spiderman, El Increíble Hulk, Iron Man, Los Vengadores, Daredevil o los X-Men. Le bastó poco más que un tintero y buenas ideas para convertir la pequeñaeditorial Marvel Comics en una de las mayores corporaciones multimedia del mundo del entretenimiento. Con una puntualidad y una simpatía sorprendentes en quien ya es considerado un mito viviente, Stan Lee atendió a Público en su despacho de BeverlyHills para repasar su carrera. “Espero no decir muchos tópicos”, se disculpa entre risas antes de comenzar la entrevista. Y es que, como dice el bueno de Lee, todo superhéroe tiene un punto débil. Sigue leyendo

Escena final de Luis Buñuel

 

Luis Buñuel

JOHN SPRINGER COLLECTION / CORBIS | Luis Buñuel (Calanda, Teruel, 1900-Ciudad de México, 1983).

 

ELISEO SUBIELA 09/10/2010

El doctor Roberto Maxwell se sentó en mi cama y me dijo: “¿Sabes que no eres el único cineasta que he atendido?”.

Sorprendido le pregunté quién era el otro.

-Luis Buñuel, me respondió.

Yo llevaba 4 días internado en el Hospital de la Fe, en el bellísimo San Miguel de Allende, Estado de Guanajuato, México.

Había concurrido al Festival Expresión en Corto, como jurado y homenajeado en una edición del festival dedicada a la Argentina, compartiendo bicentenario patrio junto a México. En el vuelo de ida una lesión en una pierna se complicó derivando en una tromboflebitis.

Cuando en el hotel en el que yo estaba alojado me revisó el Dr. Maxwell, me miró y me dijo:

-¿Sabes que te puedes morir de esto, verdad?

-No pienso morirme por ahora doctor. ¿Qué tengo que hacer?

-Junta tus cosas imprescindibles. Te voy a internar.

Lo miré y pensé: “…¿Y este cretino de dónde salió?”. Sigue leyendo

Moebius, en busca de un ‘Big Bang’ en la tercera dimensión

 

Dibujo para la portada del número 24 de El teniente iBlueberry', de 1995.

Dibujo para la portada del número 24 de "El teniente Blueberry", de 1995.

 

ANDRÉS PÉREZ  11/10/2010

El que se sienta al lado para almorzar en La Rotonde responde perfectamente al arquetipo del viejo chiflado, genial, flacucho, inteligente, parlanchín y vivaracho. Y es el mismo que, a unos pasos de ese restaurante del barrio parisino de Montparnasse, es el protagonista dueño y señor de la exposición-acontecimiento más importante de esta rentrée cultural de París. La Fundación Cartier abre mañana en la capital francesa no sólo una retrospectiva de casi 60 años de carrera de Jean Giraud, alias Gir y alias Moebius, dios viviente del cómic. Es que esa muestra es un Big Bang que proyecta al artista hacia futuros infinitos en forma de películas 3 D.

Casi 300 planchas, dibujos, cuadernos de esbozos, proyecciones holográficas, serigrafías y un documental conforman el cuerpo central de la vasta retrospectiva organizada por la Fundación Cartier, con el objetivo explícito de desvelar algunos de los misterios mejor guardados de Moebius. Pero sin buscar explicaciones. Como él mismo señala “a muchos autores de cómic les molesta que los demás hagan interpretaciones sobre su trabajo. Exclaman: ¿Ah sí? Qué raro, yo nunca quise meter eso’… Es como si miraras un dibujo de un niño y dedujeras que tiene problemas con sus padres… Nunca dirá que tiene problemas con sus padres, pero está en el dibujo. Y los artistas siempre tratan de los problemas con los padres… De todas formas, os confieso una cosa: En cuanto se escribe un rollo sobre Moebius, lo mejor es poner alguna cosa que no se entienda para nada”. Sigue leyendo

Sin novedad desde el Renacimiento

 

JORGE WAGENSBERG 07/10/2010

Físico y museógrafo, y acaba de publicar Las raíces triviales de lo fundamental (Tusquets).

Se puede hablar del lenguaje de la ciencia, de la tecnología, de la música, de la escultura, de la museografía… aunque ninguno de estos lenguajes es, por cierto, la particular jerga con la que se entienden científicos, músicos, escultores o museógrafos… Es la idea de Walter Benjamin. Hay lenguajes que viven dentro de otros: dentro del lenguaje de la música se puede hablar del lenguaje romántico o del barroco y, dentro del lenguaje barroco se puede hablar del lenguaje de Bach o del de Pergolesi… Un mirlo distingue otro mirlo de cualquier otro pájaro por su lenguaje, pero tampoco se le escapa que tal otro mirlo tiene un acento que “no es de por aquí”… Un museo que opta por la pieza original como la palabra museográfica emplea un lenguaje muy diferente a otro que se entrega a la réplica o al lenguaje propio de los multimedia.

Los lenguajes, con sus palabras y con sus reglas para combinar palabras, se usan para adquirir y transmitir conocimiento, es decir, sirven para contar historias.

Pero todo cambia con el uso, también el lenguaje. A veces, una historia requiere la invención de una palabra y así crece el diccionario y se mueve la gramática entera. Hablemos por ejemplo de dinosaurios. Una de sus grandes aportaciones a la evolución fue sin duda la pelvis. Los andares de un cocodrilo todavía se expresan en rancio lenguaje prepélvico. La locomoción del cocodrilo en tierra es imperfecta porque no puede mover una pata sin que se resienta el resto del cuerpo. Sigue leyendo

La maleta del tiempo

 

 

Chim (David Seymour), Federico Garcia Lorca, Madrid, 1936

 

ANTONIO MUÑOZ MOLINA 09/10/2010

Me habían dejado solo en una gran habitación que tenía algo de almacén y de archivo, con una mesa muy larga en el centro, con lámparas bajas que difundían una luz de clínica. Ahora no estoy seguro de si había alguna ventana, pero el caso es que no recuerdo haberme asomado a una. La habitación estaba en el piso catorce o quince de una torre de la Sexta Avenida, muy cerca del tráfico de la Calle 42, agravado aquella mañana por esa mezcla vengativa de lluvia helada y viento que se abate sobre Nueva York algunos días de invierno. Pero en mi recuerdo de la habitación hay un silencio de cripta o cámara de seguridad que se confirmó cuando una secretaria se me acercó calladamente por detrás para pedirme que leyera y firmara una declaración de confidencialidad, uno de esos meticulosos documentos legales a los que hay tanta afición en Estados Unidos. Me comprometía a no sacar nada del archivo sin autorización expresa y a no difundir nada de lo que encontrara en él sin acuerdo previo con la institución que me había invitado. Leí por encima, más que nada por no dar una impresión de falta de seriedad a la secretaria, y firmé con mi descuido español, con prisa, para seguir volcado sobre las fundas de plástico de los archivadores en los que estaba viendo, en tiras de contactos, las más de cuatro mil fotos de la llamada maleta mexicana de Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour, Chim. Sigue leyendo

“En Italia se prefiere el debate a la solución”

 

La Nona Ora (1999) / Maurizio Cattelan

 

LUCIA MAGI 25/09/2010

El artista contemporáneo italiano más famoso presenta en Milán una “retrospectiva” de solo tres piezas. Resignado a que la censura en su país vete gran parte de sus obras más polémicas, se consuela con la antológica que se le prepara en EE UU

Al principio, bombo y platillo. Luego, criba y tijeras. La Junta de derechas que administra Milán se reunió tres veces para evaluar la conveniencia de promover el evento. Fue necesaria la bendición de la curia y el permiso del consejero delegado de la Bolsa. Es atormentada la historia de la exposición que la capital italiana del arte de vanguardia dedica a su artista más popular y cotizado, Maurizio Cattelan (Padua, 1960). Tras la censura municipal, la idea inicial, la de una retrospectiva con una decena de obras, se ha quedado en la exhibición -abierta al público en horario reducido- de tres piezas, más una escultura colgante que representa una mano con todos los dedos mutilados, salvo el medio, que va a estar situada frente a la Bolsa durante solo 10 días. Los carteles que anunciaban la apertura de la exposición, con su Hitler arrodillado como rezando, fueron bloqueados por el Ayuntamiento. En las calles y en la web del Palazzo Reale que la acoge no hay ni rastro de la exposición. Mientras, el Guggenheim de Nueva York está preparando para 2011 una importante retrospectiva de la superestrella italiana y una obra suya fue subastada por ocho millones de dólares. Él parece casi resignado a despertar polémicas en su ciudad adoptiva: en 2004 ahorcó de un árbol unos maniquíes-niños indignando a muchos ciudadanos e instituciones, que tampoco habían apreciado cuando diez años antes había llevado a París y Londres los escombros del Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán volado en un atentado mafioso que mató a cinco personas, comentando que exportaba lo mejorcito de su país. Esta vez las medidas fueron preventivas y tomadas directamente por el Ayuntamiento. “Había discrepancia entre lo que querían y el presupuesto del que disponían. Eliminaron las obras consideradas incómodas y, al cabo de tres aplazamientos, llegamos a un acuerdo”, afirma en una entrevista por correo electrónico.

PREGUNTA. No era solo cuestión de presupuesto, entonces…

RESPUESTA. En Italia existe un gusto innato por la polémica, se suele preferir el debate a la solución. Si asumimos esta actitud en justas dosis, puede ser aceptable. Es como con el huevo de Pascua: lo compras por la sorpresa que lleva dentro, pero al final lo que disfrutas es el chocolate. Sigue leyendo

La americana que se enamoró del piano de Lorca

JESÚS MIGUEL MARCOS Madrid 30/09/2010

La escena tiene lugar en la casa de una escritora afroamericana en Harlem, en el verano de 1929. Un joven negro se sienta al piano, acaricia casi al azar un puñado de notas y comienza a entonar un espiritual que hace enmudecer a los invitados. “Qué maravilla de canto, sólo comparable al cante jondo”, escribe unos días después Federico García Lorca en una carta a su familia. Deslumbrado por aquella hermosa tonada de honda raigambre religiosa, con el pulso todavía acelerado, el poeta español toma aire y se sienta al piano.

Lorca había aprendido música desde niño con su madre, más tarde fue alumno de Manuel de Falla y en los años veinte compuso sus primeras suites. Era un apasionado del flamenco, pero su entusiasmo rozaba el clímax con las canciones populares, especialmente las que llevaban transmitiéndose de generación en generación durante siglos. Aquella noche en Harlem, el joven Lorca interpretó algunas, como Las morillas de Jaén, una composición del siglo XVI perteneciente al Cancionero Musical de Palacio. “No quiero deciros lo que les gustaron mis canciones. Me las hicieron repetir cuatro o cinco veces”, escribía Lorca.

La escena se traslada ahora a la biblioteca de Toledo, más de 75 años después. La reputada cantautora estadounidense Josephine Foster toma entre sus manos un disco en cuya portada figura el nombre de un poeta que leyó en el instituto de Colorado cuando era adolescente. En un primer momento piensa que se trata de poemas musicados de Federico García Lorca, pero tras detenerse en la portada se percata de que son canciones populares armonizadas y tocadas por el poeta e interpretadas por La Argentinita, una famosa cantante de los años veinte. Sigue leyendo

La seducción de una luz fácil de entender

Claude Monet posa junto a una obra de su serie Ninfas'.

Claude Monet posa junto a una obra de su serie Ninfas'.

PEIO H. RIAÑO MADRID 27/09/2010
La semana pasada fue Monet; esta, Gauguin; en breve, los jardines en los que se retiraban a pintar y, al poco, Renoir. La pasada temporada estuvieron en la Fundación Mapfre (Impresionismo. El nuevo Renacimiento), en El Prado (Sorolla) y en el Museo Thyssen (Matisse), y fueron las exposiciones más vistas del año. El impresionismo es la única moda que se repite anualmente, un fenómeno eterno para el que siempre hay una nueva mirada con la que montar una exposición que bata un nuevo récord y alegre las cifras de cualquier museo.

“Todo se puede banalizar, es cierto, pero la pintura impresionista como objeto de estudio y exposición es inagotable. Otra cosa es que se piense que la mayor virtud de un artista radica en desbordar cifras de visitantes o en que lleve su nombre un aeropuerto”, asegura convencido Javier Arnaldo, conservador para investigación y extensión educativa del Museo Thyssen-Bornemisza.

El movimiento que puso punto final a la pintura de academia y arrancó los primeros gestos de la modernidad, que se fijó en temas mundanos y se olvidó de la pompa del retrato de salón, que se preocupó por el reflejo inmediato de la realidad más alegre, que convierte a la naturaleza en la gran protagonista de sus temas, que rechaza la mitología y se recrea en el pequeño instante de los efectos atmosféricos ese movimiento ha terminado por comerse al resto entre el gusto del gran público. Sigue leyendo

Gauguin: los paraísos perdidos de un provocador

'La visión después del sermón' (1888).

'La visión después del sermón' (1888).

CONXA RODRÍGUEZ LONDRES 27/09/2010

Todo en el paisaje me deslumbra y me ciega”, escribe el pintor Paul Gauguin (1848-1903) en una de las cartas que se exhibirán en la exposición del museo Tate Modern de Londres entre el 30 de septiembre y el 16 de enero. Cuando escribió estas líneas, el pintor parisino llevaba varios meses encandilado en Tahití, su tercer intento, tras Martinica y Panamá, de encontrar lo primitivo e indígena de la raza humana, lejos de la civilización Occidental. Gauguin se pasó media vida buscando el paraíso perdido que, al final, sólo existía en su imaginación y en sus obras.

La muestra del museo Tate Modern, Gauguin: Maker of Myth (Gauguin, forjador de mitos) incluye 63 pinturas, 18 esculturas y cerámicas, 69 cartas manuscritas, acuarelas, dibujos y objetos variopintos como los zuecos de madera que él talló y usó como calzado. En total, 150 piezas recorrerán la vida de este trotamundos que empezó a pintar con la frescura de la técnica impresionista, recreando escenas con pequeños pinceles y colores puros y naturales para captar el ambiente emocional más que la meteorología de la vida a su alrededor. Gauguin, con Paul Cézanne y Vincent Van Gogh, fue uno de los artistas rebeldes que se liberaron con el impresionismo y pasó pronto al simbolismo, a su estilo personal sintético y al posimpresionismo.

Belinda Thomson, comisaria de la muestra, explica que “Gauguin es un artista de difícil clasificación porque se mueve entre varios estilos, utilizándolos e incluso burlándose de ellos, exceptuando el posimpresionismo, porque este estilo no surgió hasta 1910”. Por entonces, el pintor nacido en París y residente en Perú durante su infancia llevaba muerto siete años. Sigue leyendo

El visionario razonable

RIBA LIBRARY PHOTOGRAPHS COLLECTION | Buckminster Fuller (1895-1983), fotografiado en su despacho de la Universidad de Illinois en 1967.

ANTONIO MUÑOZ MOLINA 25/09/2010

Según su hija Allegra, Buckminster Fuller consideraba el barco de vela una de las invenciones más extraordinarias del ser humano. Propulsado sólo por el viento, un barco de vela se mueve sobre el agua siguiendo un rumbo preciso y transportando pasajeros y carga sin daño para el medio ambiente, sin dejar huella de su paso. Para él la belleza de las cosas se medía por la proporción entre el esfuerzo y los medios invertidos en hacer algo y su eficacia práctica. En un mundo de recursos limitados y necesidades abrumadoras, el desperdicio es un delito: en el proceso de su construcción y en el resultado final un velero era para Buckminster Fuller el ejemplo máximo de diseño racional y sostenible. “No luches contra las fuerzas adversas, úsalas”, dice uno de sus aforismos: la forma y el material de la vela y la destreza del piloto ponen al viento al servicio del velero, que no deja manchas de gasolina ni trastorna a los peces con el sonido de su motor, y que aprovecha lo mismo las corrientes del aire que las del agua. Buckminster Fuller quería inventar casas y vehículos que tuvieran una liviana eficiencia de barcos de vela, que alcanzaran el máximo de estabilidad con el mínimo de peso, y se impacientaba con los arquitectos, empeñados en usar materiales y técnicas muy anteriores a los adelantos tecnológicos del siglo XX, entretenidos en minucias decorativas que a su juicio carecían por completo de importancia, obedientes a la inercia de la gravedad. Cuando era ya muy viejo, pero todavía asombrosamente activo, le presentaron a Norman Foster y la pregunta que le hizo nada más saludarlo se ha vuelto legendaria:-¿Cuánto pesa su edificio, Mr. Foster? Sigue leyendo

“No llamemos arte al arte contemporáneo”

CARLES RIBAS | El ensayista francés Marc Fumaroli, en Barcelona.

J. M. MARTÍ FONT – Barcelona – 28/09/2010

La historia no tiene un sentido determinado y el arte contemporáneo no merece ser llamado arte. Marc Fumaroli (Marsella, 1932) ha estado en Barcelona para presentar París-Nueva York- París. Viaje al mundo de las artes y de las imágenes (Acantilado), “un panfleto erudito”, en palabras de su editor, en el que vuelve al eterno debate entre los antiguos y los modernos.Pregunta. ¿Es usted reaccionario?

Respuesta. ¿Reaccionario? Es verdad que me gusta mucho reaccionar y las gentes que reaccionan están muy vivas. Lo tomo en el sentido exacto del término. No creo que la historia tenga un sentido ni que tengamos que inclinarnos ante el sentido de la historia. La gente que me interesa son aquellos que van contracorriente. He conocido la época en la que todo el mundo marchaba en el sentido de la historia, que no era otro que el que se marcaba desde Moscú. Me hace feliz estar contracorriente e incluso ser muy reaccionario. Cierto, ahora hay que reaccionar contra otras cosas distintas a las del momento en el que la URSS era considerada en Francia como la promesa del futuro de la humanidad.

P. Hay quien dice que Francia es un país soviético que ha tenido éxito.

R. O que Francia es el último país del Este, sí, pero no hay que tomárselo en serio. Lo que sí es cierto es que nuestra modernidad es nuestro Estado, lo que desde el punto de vista anglosajón es una cosa extraña, pero ahora lo hemos sustituido por la sumisión servil a una imagen falsa que Europa se hace de Estados Unidos. Sigue leyendo

Los museos brillan con arte privado

Obra de Edward Hopper

Domingo, de Edward Hopper.

ÁNGELES GARCÍA – Madrid – 04/10/2010

Las exposiciones temporales sirven para atraer visitantes a los museos y para hacer funcionar sus cajas registradoras. El modelo básico consiste en buscar un artista o un movimiento y, a partir de las colecciones del propio museo, enriquecerlo con préstamos de otros centros o de colecciones privadas; un sistema tan laborioso como costoso. La drástica disminución de presupuestos de los museos ha provocado que sus responsables busquen nuevas recetas mucho más baratas.

La temporada que acaba de comenzar está llena de ejemplos. La más espectacular se verá desde el próximo miércoles en la Fundación Mapfre. Se trata de Made in USA, arte americano de The Phillips Collection de Washington, en la que 91 obras de 63 artistas detallan la esencia del arte estadounidense durante un siglo, desde Hopper a Georgia O’Keeffe, Pollock, Motherwell o Rothko. Sigue leyendo

Cuando el arte se hizo burgués

Retrato. 'El geógrafo'. Jan Vermeer, 1669. El científico con sus instrumentos a la búsqueda de la verdad. Los mapas fueron muy importantes para los holandeses por el comercio marítimo.

IÑAKI ESTEBAN 7/10/2010

i.esteban@diario-elcorreo.com

En dos cuadros expuestos desde ayer en el Guggenheim Bilbao se puede resumir el ambiente revolucionario que, en el siglo XVII, posibilitó la edad de oro de la pintura holandesa y flamenca. En uno de ellos aparece una iglesia protestante sin cuadros ni esculturas, sin imágenes dramáticas, reflejo de una espiritualidad centrada en la conciencia más que en los gestos y ritos. En el otro, la Bolsa de Amsterdam, a cuya salida esperaban los pintores el encargo de los comerciantes, generosos si los negocios les habían ido bien.

Como los templos ya no necesitaban pinturas y la aristocracia estaba de capa caída, los artistas se vieron en manos de los primeros capitalistas, burgueses con buenas casas y deseos de decorarlas a su gusto. Entre todos ellos, civiles sin uniformes y dependientes de su trabajo, dieron forma a una nueva época, la modernidad.

En una de las mejores exposiciones de sus trece años de vida, el Guggenheim muestra los logros de esos pintores convertidos en ‘autónomos’, en profesionales libres que protagonizaron una era gloriosa para el arte a través de paisajes y retratos, de bodegones, de estampas de contenido histórico y bíblico. Las 130 obras proceden del museo Städel de Fráncfort, gracias a una oportunidad única: las obras para la ampliación de la pinacoteca alemana. «Si no hubiera sido por ellas, muchos cuadros de los que se ven aquí no habrían salido de sus salas», confesó el director del centro artístico, Max Hollein. Sigue leyendo

Arthur Penn, el cineasta oportuno

AP | Arthur Penn, en 1985, durante el rodaje de Target, agente doble en Berlín.

GREGORIO BELINCHÓN 30/09/2010

Arthur Penn puede que no fuera el cineasta más talentoso de su generación, y desde luego no tuvo tanta suerte como otros, pero estuvo en el sitio adecuado olisqueando el espíritu de la época. Supo llevar la violencia y la protesta generacional a la pantalla en un momento en que el viejo Hollywood se oponía con uñas y dientes al cambio. Y él mismo fue ahogado por la siguiente ola, la que cabalgaban Spielberg y Lucas y que se llevó por delante a los creadores de finales de los sesenta. El martes, el director falleció en su casa de Manhattan por problemas cardiacos y rodeado de su familia, justo un día después de haber cumplido los 88 años.

Arthur Penn nació en 1922 en Filadelfia en una familia descendiente de rusos judíos. Cuando se divorciaron sus padres, Arthur y su hermano mayor, Irving, que sería uno de los más reputados fotógrafos del siglo XX, se mudaron con su madre a Nueva York. De vuelta a Filadelfia con su padre, empezó a ir a clases de teatro hasta que entró en el Ejército en 1943: en el campamento, en Carolina del Norte, organizó una compañía teatral y repitió experiencia en París. A la vuelta de la guerra se enganchó al método, el sistema de interpretación basado en las enseñanzas de Stanislavski (más tarde lo repudió) y dejó la actuación para abrazar la dirección. Sigue leyendo

Lazkano mira al Bellas Artes

Lazkano mira al Bellas Artes

EFE | Jesús Mari Lazkano, ayer, ante el cuadro Toscana en Nueva York en la exposición del Museo de Bellas Artes.

EVA LARRAURI – Bilbao – 04/10/2010

El Museo de Bellas Artes de Bilbao, sus obras, su arquitectura y el parque que lo rodea han sido la inspiración del pintor Jesús Mari Lazkano (Bergara, 1960) para el núcleo central de la exposición que desde hoy muestra en sus salas. La pinacoteca ha estado presente en toda la vida de Lazkano. Conoció sus salas de niño, empezó a descubrir sus obras con el ímpetu del alumno de Bellas Artes y ha seguido disfrutando del trabajo de los maestros presentes en la colección. Ahora muestra los reflejos del museo en una veintena de las más de 80 pinturas que forman Lazkano. De la arquitectura a la naturaleza.

En las pinturas del autor guipuzcoano, las más recientes de la exposición, realizadas el año pasado, se reconocen las cristaleras que llenan de luz los espacios de la pinacoteca y sus escaleras de mármol, aparece la musa de Arriaga de la fuente exterior, el cielo de nubes encendidas de Jugando a los bolos en San Bartolomé, de Ucelay; las sillas metálicas de la cafetería o el célebre modelo Toledo, de Jorge Pensi. Y de fondo, los árboles del parque, mezclados con paisajes que el autor ha rescatado de su memoria. Sigue leyendo

Dalí y Lorca en el corazón de las vanguardias

"Putrefacto" es calificativo crítico y despectivo contra los tradicionalistas y académicos.

PEIO H. RIAÑO MADRID 23/09/2010

“¿Qué haces? ¿Trabajas? No dejes de escribirme, tú, el único hombre interesante que he conocido. […] Recuerdos a los tuyos y tú un gran abrazo de tu Dalí”. En 1925 Dalí todavía trataba con cuidado sus formas cuando escribía a Lorca. Se habían conocido a principios de 1923 en la Residencia de Estudiantes y compartían experiencias artísticas por carta.

“Tu poesía cae de lleno dentro de la tradicional, en ella advierto la sustancia poética más gorda que ha existido [] Tu poesía está ligada de pies y brazos a la poesía vieja. Tú quizá creerás atrevidas ciertas imágenes, o encontrarás una dosis crecida de irracionalidad en tus cosas, pero yo puedo decirte que tu poesía se mueve dentro de la ilustración de los lugares comunes”, escribe cruel el pintor al poeta en 1928.

Apenas han pasado cinco años y todo se ha venido abajo. La amistad, la complicidad y el intercambio de ideas ha tocado fondo. La amistad entre Salvador Dalí y Federico García Lorca es tan irreconciliable como sus propuestas artísticas. Sigue leyendo

Esto no es una broma, es una exposición de arte

El artista Hans Peter-Feldmann fotografía a la prensa ayer en Madrid.AFP

El artista Hans Peter-Feldmann fotografía a la prensa en Madrid.AFP

PEIO H. RIAÑO MADRID 22/09/2010

Hans-Peter Feldmann (Düsseldorf, 1941) pasea por el centro de Madrid estos días buscando dibujantes de calle para que le hagan un retrato. Los coleccionará y, posiblemente, incluirá en una próxima exposición. De momento, inaugura una gran antológica en el Museo Reina Sofía, titulada Una exposición de arte. El título es un dardo envenenado de parte del director de la institución, Manuel Borja-Villel, a todas las muestras que pretenden serlo y no lo son.

Pero es algo más. Para empezar, será difícil encontrar a lo largo de esta temporada a un artista más divertido que Feldmann. Es asombrosa la claridad con la que desmonta la gravedad del discurso artístico. Feldmann es un tipo parco en palabras, no le gusta hablar sobre el significado de su trabajo y si alguien le pregunta por esa bicicleta BH destartalada que recibe al espectador en la sala, se revuelve con otro interrogante: “¿Y para ti qué quiere decir?”. Sigue leyendo

Juan Ramón Yuste, fotógrafo y artista irrepetible

| Ganges -Polaroid transfer-1998. | © indicalibros.com

JOSÉ TONO MARTÍNEZ / ANTONIO BUENO 14/09/2010

Juan Ramón Yuste fue uno de los creadores renovadores de la nueva fotografía española que irrumpió en España a finales de los años setenta y que se consagró en el periodo de la llamada movida madrileña, que fue, además de otras cosas, fotografía. Con Ouka Lele, Pablo Pérez Mínguez, Eduardo Momeñe, Alberto García Alix, Javier Vallhonrat, Carlos Serrano G.A.H., Miguel Trillo, Antonio Bueno, y otros más, perteneció al grupo de fotógrafos de la llamada Quinta Generación, que contribuye decisivamente a que la propia imagen de España cambiase y tuviese más color, y que fuese más pop y más experimental, huyendo del tremendismo anterior, buscando peculiares representaciones simbólicas de las cosas que ayudaban a formalizar muchos de los proyectos creativos más importantes de aquel periodo. Es toda una cruzada contra el trascendentalismo. Sigue leyendo

El arte de Hopper tiene precio

El retrato que Andy Warhol hizo a Denni Hopper en 1971 también sale a subasta.

DAVID ALANDETE – Washington – 23/09/2010

Dennis Hopper, fallecido en mayo a los 74 años, no solo era un reconocido actor. Era también un consumado y meticuloso coleccionista de arte. La galería neoyorquina de la casa Christie’s ha anunciado que pondrá a la venta buena parte de la colección que atesoraba en dos subastas públicas, programadas para noviembre y enero, y con las que espera recaudar unos 10 millones de euros.

No compraba grandes nombres, sino grandes promesas. Así, Hopper acudió a la primera exposición de un relativamente desconocido Andy Warhol en Los Ángeles y adquirió una de las primeras serigrafías sobre lienzo de las latas de sopa Campbell, de 1962, por 75 dólares de la época. Ambos artistas desarrollaron una amistad que se consumó con la creación de otro icono artístico de la cultura pop: el retrato de un joven Hopper con sombrero vaquero, de 1971, que se venderá, espera Christie’s, por 900.000 euros. Sigue leyendo

Fontcuberta, expoliado en Aviñón

X. LOBATO | El fotógrafo Joan Fontcuberta

ROBERTA BOSCO – Barcelona – 28/09/2010

“Estoy aún en estado de shock. Cuando la policía francesa me llamó para comunicarme que me habían robado todas las obras de una exposición no me lo podía creer”. Joan Fontcuberta aún no puede dar crédito a que una banda penetrara en el Monasterio de la Chartreuse de Aviñón para robar todas las fotografías de la muestra Milagros y co.

El robo se produjo durante la noche del sábado al domingo, pero no fue hasta ayer por la mañana cuando se le notificó el hecho al artista, Premio Nacional de Fotografía en 1998. Según los investigadores, fue un robo de guante blanco, llevado a cabo por varias personas. “Tuvieron que desconectar las alarmas, saltar una tapia e introducirse en el interior del centro. Sigue leyendo

Milagro en el Prado

El vino de la fiesta de San Martín, la pintura de Pieter Bruegel El Viejo descubierta por el Museo del Prado

PEIO H. RIAÑO Madrid 23/09/2010

El Museo del Prado se llenó ayer de borrachos y ciegos. Los primeros de alegría, los otros por deslumbramiento. La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el director del Museo, Miguel Zugaza, y los patronos de la institución desvelaban con la mayor de las sonrisas el secreto que llevaba guardado en los talleres de restauración del Prado desde el pasado mes de abril: un delicado cuadro de la escuela flamenca, de casi tres metros de ancho, pintado sobre una fina tela sarga, en la que casi un centenar de personajes invidentes y ebrios luchan por el caldo de la felicidad que brota de un enorme tonel.

La sonrisa se hizo gigante al anunciar que Pieter Bruegel el Viejo (1530-1569) era el autor de esta obra perdida hasta el momento. Sólo se conocían 40 pinturas autógrafas de la figura capital de la pintura flamenca del siglo XVI; esta, titulada El vino en la fiesta de San Martín, hace el número 41 desde ayer. La autoría fue atribuida por el Museo “tras varios meses de estudio y restauración”, en los que se invitó a confirmar la firma a especialistas internacionales en el autor, como Manfred Sellink, director del Museo de Brujas y responsable de la última revisión del catálogo del autor. Sigue leyendo

‘La maleta mexicana’ sale a la luz

MAGNUM | 23-09-2010 Imagen de 1937 de Robert Capa en la que aparece Gerda Taro a la derecha.

QUINO PETIT – Madrid – 23/09/2010

Siete décadas después de su desaparición, los misterios de la maleta mexicana salen a la luz. Una exposición en el International Center of Photography (ICP) de Nueva York, que hoy se presenta a los medios y podrá visitarse a partir de mañana, desvela casi todos los secretos del interior de aquel enigmático equipaje: tres pequeñas cajas de cartón con negativos de Robert Capa , Gerda Taro y David Seymour tomados durante la Guerra Civil española.

El ICP exhibe una selección de esas más de 4.000 imágenes originales recuperadas a finales de 2007, muchas de ellas inéditas, que estos tres maestros de la fotografía atraparon en España entre mayo de 1936 y la primavera de 1939. Cynthia Young es la comisaria de la muestra, titulada The mexican suitcase (La maleta mexicana) . Al teléfono desde Nueva York, explica que “ahora podrán verse secuencias enteras, el cuaderno de trabajo de Capa, Taro y Seymour, el camino hasta conseguir la foto ideal”. Sigue leyendo

Sobre el Anguilas

DAVID TRUEBA 21/09/2010

Este pez no tiene buena fama. Su tendencia escurridiza le convierte en poco de fiar. En la vida mediática, sin embargo, las anguilas cobran más y más fuerza. Al fin y al cabo, la posesión y la cercanía terminan con el misterio. La fama y el prestigio tienen mucho que ver con el amor, funcionan con los mismos valores que un matrimonio. Uno se fatiga de la persona relevante si la tiene a diario en los medios y sabe todo de su vida familiar y profesional; lo siguiente es el divorcio. Un sabio escribió que la familiaridad es el principio del desprecio. Es ejemplar observarlo en la música. Sigue leyendo

Disidente entre los suyos

'Un je m'en-foutiste' GORKA LEJARCEGI |Imagen de Chabrol en Madrid, en 1998

DIEGO GALÁN 13/09/2010

Claude Chabrol perteneció a la generación de la llamada Nouvelle Vague pero no formó parte de sus premisas. En realidad, no las hubo. Todo aquel movimiento consistió en un grupo de muchachos ambiciosos que necesitaban matar al padre para reemplazarlo. Los viejos clásicos del cine francés fueron despedazados con mordacidad en sus críticas, la mayoría de ellas publicadas en la revista Cahiers du Cinéma, y cuando lograron dirigir sus propias películas cada cual tomó un camino distinto. Salvo la modernidad del lenguaje, ningún otro elemento común apareció en ellas. Godard, Rivette y Resnais, supervivientes de aquel movimiento, casaban mal entre ellos, y aún menos con Chabrol, Truffaut, Louis Malle, Eric Rohmer, Marguerite Duras o Alain Robbe-Grillet… Fueron individualidades que renovaron la cinematografía francesa, y de paso también la europea y parte de la mundial, más por su ímpetu creativo que por ajustarse a normas. Sigue leyendo

Un Corot en el vestuario

'Retrato de una joven', de Corot.

'Retrato de una joven', de Corot.

ISABEL PIQUER NUEVA YORK 16/09/2010

Estuvo todo el tiempo en el vestuario del portero de un lujoso edificio de la Quinta Avenida. Retrato de una joven, el cuadro del pintor francés Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875) que desapareció en Nueva York a finales de julio, reapareció el pasado domingo en una comisaría de Manhattan debajo del brazo del portero, Franklin Puentes, que se disculpó por haber mantenido en secreto el paradero de la obra, pensando que quizás se le había perdido al inquilino de uno de los apartamentos.

Puentes contó que el 29 de julio se encontró el pequeño cuadro —valorado entre 500.000 a 700.000 dólares— en unos arbustos cerca del edificio donde trabaja y decidió “guardarlo” para buscar a su dueño. No lo pudo averiguar y se fue tres semanas de vacaciones a Florida olvidándose de todo el asunto. Sigue leyendo

El ‘último’ Sánchez Cotán

'Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas'

'Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas' /'ARS MAGAZINE' |

ÁNGELES GARCÍA – Madrid – 16/09/2010

El paradero de la obra del maestro Juan Sánchez Cotán (Orgaz, 1560 – Granada, 1627) ha perdido un eslabón en su halo de misterio. El pintor toledano que convirtió el bodegón en todo un género ejecutó un total de nueve naturalezas muertas. De ellas, solo seis estaban localizadas y catalogadas. La séptima, Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas, acaba de ser identificada; pertenece a los David-Weill, una acaudalada familia de banqueros franceses cuya matriarca, Eliane David-Weill, legó la pintura a sus hijos hace dos años. El cuadro se encuentra ahora mismo en las dependencias de una galería de arte madrileña, Caylus.Sánchez Cotán fue el primero en otorgar a sus bodegones la categoría de género pictórico. Sus frutas y verduras impregnadas de metafísica le consagraron en vida y le convirtieron después en verdadero artista de culto. Gracias al testamento que realizó al abandonar Toledo e ingresar como cartujo en Granada, se sabe que pintó nueve bodegones. Ahora solo quedan dos de ellos en paradero desconocido. Sigue leyendo

Un género revalorizado

'Bodegón con caza, hortalizas y frutas'

'ARS MAGAZINE' | Bodegón con caza, hortalizas y frutas es el único Sánchez Cotán que posee El Prado. Fue adquirido en 1990 por 435 millones de pesetas gracias al Legado de Villaescusa.

FRANCISCO CALVO SERRALLER 16/09/2010

A partir de la ambiciosa exposición que dedicó A. E. Pérez Sánchez al bodegón español en 1983, Pintura española de bodegones y floreros de 1600 a Goya, se produjo un cambio espectacular en el aprecio crítico y en la estimación económica internacionales de este género en nuestro país, al que hasta entonces casi nadie prestó atención y, menos, lo consideró digno de confrontarse con los grandes especialistas de Italia y los Países Bajos.

Es cierto que se estimaba lo que realizaron figuras aisladas como Zurbarán o el primer Velázquez, pero pasaba desapercibido lo aportado por los restantes especialistas españoles del siglo XVII. El único precedente significativo en la revalorización del bodegón español fue el de la exposición que promovió Julio Cavestany en Madrid en 1935, aunque sin olvidarnos de la que llevó a cabo José López Rey en 1964 en el estadounidense Museo de Newark. Sigue leyendo

La cara privada de Bernard Shaw

Una de las imágenes del autor que forma parte del fondo de la National Trust.

Una de las imágenes del autor que forma parte del fondo de la National Trust.

IÑIGO SÁENZ DE UGARTE  09/09/2010

La vida es demasiado corta como para desperdiciarla haciendo bien una sola cosa. No es una frase de George Bernard Shaw, sencillamente porque tiene otra mucho mejor: “Una vida gastada cometiendo errores no sólo es más honorable, sino también más útil que una vida gastada no haciendo nada”.

Es indudable que Shaw (1856-1950) no era la clase de hombre que tuviera miedo a adentrarse en distintos campos artísticos o intelectuales. Su larga carrera como dramaturgo fue coronada con el Premio Nobel de Literatura sólo por la insistencia de su mujer aceptó recoger el galardón, pero no el dinero y el respeto de sus contemporáneos.

También escribió novelas, de no mucho éxito. Fue prolífico y polémico en la crítica literaria y musical. Su compromiso con la defensa de los derechos de los trabajadores y de las mujeres le llevó a escribir innumerables discursos y panfletos para la socialista Sociedad Fabiana.

Y siempre estuvo fascinado por la fotografía. Está claro que Shaw, que murió a los 94 años, no perdió el tiempo. Sigue leyendo

Otro coleccionismo es posible

TENER EL CORAZÓN EN EL LUGAR EQUIVOCADO Película cortometraje de 17 minutos de duración que nos adentra en el mundo y en el proceso creativo del artista José Antonio Sistiaga, pintor y cineasta que pinta sus películas de forma artesanal, fotograma a fotograma, como si de un lienzo se tratara.

TXEMA G. CRESPO – Vitoria – 16/09/2010

“El arte no tiene liquidez”, advirtió ayer en el Artium Alberto Ipiña, propietario junto con su esposa Begoña Bidaurrazaga, de una de las colecciones de arte vasco más interesantes de los últimos 60 años. Se refería el coleccionista a los motivos que le han llevado a atesorar más de 400 obras que recorren la creación vasca desde referencias del renombre de Nestor Basterretxea hasta jóvenes promesas como Mikel Eskauriaza. Ayer (15/09/2010) se formalizó la cesión de 54 piezas en depósito en el centro de arte de Vitoria.

Bidaurrazaga e Ipiña representan al aficionado que todo artista desearía conocer: alguien que, más allá de diletantismos y pelotazos, se interesa por la creación por sí misma y adquiere, en la medida de sus posibilidades, obras de arte. Sigue leyendo

La pesadilla de John Lurie

John Lurie durante una actuación en Londres en 1981.- GETTY IMAGES

DIEGO A. MANRIQUE – Madrid – 04/09/2010

Se rumoreaba en el mundillo del arte visual, donde ahora se desenvuelve John Lurie: que el fundador de los Lounge Lizards vive escondido, víctima del seguimiento obsesivo de alguien que se solía presentar como su mejor amigo. Lo reveló incluso el pasado año, en una entrevista con EL PAÍS, realizada con motivo de la salida de su libro A fine example of art. Comentaba entonces: “Estoy huyendo. Una historia increíble. Un tipo, conocido, que intentó suicidarse y al que ayudé, y que ahora quiere matarme. Un loco. La policía me dijo que me fuera una temporada de Nueva York. El acoso ha sido terrorífico”.

El desagradable asunto se ha hecho de conocimiento público tras un minucioso reportaje publicado en la revista The New Yorker bajo el título de Sleeping with wea-pons (Durmiendo con armas). El texto no ha gustado a Lurie ni a su círculo. El acosador, John Perry, aprovecha para hacer publicidad de sus cuadros y presentar el conflicto como responsabilidad de un Lurie arrogante e ingrato. Sigue leyendo

Cuando la ficción sirve de defensa

DANIEL MORDZINSKI | Alberto Manguel, el mes pasado en un terreno cercano a su casa en la aldea francesa de Mondion.

JAVIER RODRÍGUEZ MARCOS – Mondion – 01/09/2010

Sobre la mesa de trabajo de Alberto Manguel hay una pulcra fila de cuadernitos idénticos, un centenar, tantos como cantos tiene la Divina comedia. Cada día entre las seis y las siete de la mañana el escritor argentino lee un canto y anota en una de esas libretas sus impresiones. Luego desayuna. “A Dante lo guardo para mí”, explica. Es decir, no está preparando un ensayo sobre el poeta toscano. “¿Sabe lo que me sigue asombrando? Que ese libro haya salido de una sola cabeza”.

También asombra que la vida de Alberto Manguel -que publica La ciudad de las palabras (RBA), una recopilación de cinco conferencias sobre el valor de la ficción como aviso contra las trampas de la identidad y las mentiras de la propaganda- sea la de una sola persona. Sigue leyendo

El portero enamorado

"Jaguar" de Jean Rouch (1967)

GUSTAVO MARTÍN GARZO 09/09/2010

En 1998, Jean André Fiesche rodó un emocionante reportaje para la televisión francesa sobre el cineasta Jean Rouch en que este habló de su método de trabajo. Se basaba en algo que había aprendido del pueblo de los dogón: en “hacer como si”. Todas las películas que Rouch rueda en el África negra son falsos documentales y, sin embargo, pocas veces se ha mostrado de una manera más honda y veraz la vida de los pueblos que viven en esa zona del mundo. “Al hacer como si, declara, se está mucho más cerca de la realidad”. Jean Rouch no pretende captar la realidad tal como es, sino conseguir otro tipo de realidad, que busca la verdad de la ficción.

Desde un punto de vista racionalista el pueblo de los dogón es un pueblo de grandes mentirosos, ya que no tienen ningún reparo en apropiarse de las historias que les gustan haciendo como si les hubieran sucedido a ellos. Por ejemplo, alguien escucha la historia de un dios que protege a las vacas, e inmediatamente adoptan a ese dios como propio. En su película La caza del león con arco, Rouch nos muestra a una casta hereditaria, que es la única que tiene derecho a matar leones. Los pastores solo pueden tirarles piedras para ahuyentarlos. Consideran que el león es necesario para el rebaño y saben identificar cada león por sus huellas. Pero cuando un león mata demasiadas reses, hay que suprimirlo porque se trata de un león asesino. La película relata los episodios de esta caza en la que técnica y magia están íntimamente relacionadas. Sigue leyendo

Quema del Corán: crónica de un horror


Desde la toma de Granada a la guerra de Bosnia, este libro ha sido enviado a la hoguera una y otra vez.

FERNANDO BÁEZ 11/09/2010

Hace unos días, los miembros de una pequeña y desconocida iglesia cristiana de Florida anunciaron que quemarían ejemplares del Corán, pero además que convertirían la fecha del 11-S en el día mundial de la destrucción de cualquier obra islámica. El pastor Terry Jones, impertérrito ante la presión internacional, ha creado un enlace en Facebook que lleva el nombre de International Burn a Quran Day donde invita a colaborar con la hoguera que arderá en Gainesville el día prometido entre las seis y las nueve de la tarde.

Lo triste, lo trágico, es la cantidad de veces que este incidente ha ocurrido con consecuencias amargas. Heinrich Heine, por ejemplo, escribió en Almansor (1821): “Allí donde queman libros, acaban quemando hombres”. La frase es bastante citada; lo que acaso se ha olvidado (no sé si por mala fe) es que se refiere a la quema de ejemplares del Corán ocurrido en la ciudad de Granada tras su conquista por los Reyes Católicos. A saber, un sacerdote llamado Francisco Jiménez de Cisneros, en 1500, ordenó recoger cualquier edición de libros árabes, y especialmente del Corán, y decidió que fueran sometidos al juicio implacable de las llamas. Más de 5.000 volúmenes fueron incinerados, pero como rasgo singular el sacerdote ha pasado a la historia como el fundador de la noble Universidad de Alcalá. Sigue leyendo

Alex de la Iglesia arriesga y gana


Alex de la Iglesia en Venecia.- XAVIER TORRES-BACCHETTA

CARLOS BOYERO 08/09/2010

Existen directores excelentes en la historia del cine de los que no se tienen noticias de que escribieran ninguno de los guiones que filmaron. Moviéndose en géneros variados imprimieron inevitablemente su sello a todas esas películas. También existen artesanos que se toman su trabajo con esfuerzo y respeto, sin ningún empeño en que les coloquen en el panteón de los artistas, gente con nómina fija en los estudios que hacían modélicamente lo que tenían que hacer aunque fuera muy difícil reconocer su personalidad si no existieran los títulos de crédito. Y están los creadores cuyo estilo y obsesiones son inmediatamente identificables para el espectador. Alex de la Iglesia pertenece a ese grupo. Sigue leyendo

“Mis películas son añicos, trocitos de verdades interiores”

GETTY IMAGES | Stanley Donen, en Bolonia, antes de una proyección de Cantando bajo la lluvia.

LUCIA MAGI – Bolonia – 02/07/2010

Si Jean-Luc Godard pensaba que el cine tiene que ser realidad 24 fotogramas al segundo, el director y coreógrafo de Cantando bajo la lluvia se coloca en el extremo opuesto. “El cine no representa el entorno en que todos estamos sumergidos, sino otro nivel de verdad, más profundo, el de los sentimientos, de las emociones. Eso he buscado siempre. No el mundo en su totalidad, sino los pormenores. Alguien dijo que Dios está en los detalles. Pues tenía razón”.

Stanley Donen, el creador del musical más popular, gran decano del cine clásico de Hollywood (Un día en Nueva York o Siete novias para siete hermanos), leve y profundo a la vez, moderno y ecléctico director de películas tan distintas como la comedia de espionaje Charada (1963) y la esplendida historia de un amor aguado por el tiempo de Dos en la carretera (1967), nació en 1924 en Carolina del Sur y mamó cine, baile y música desde niño. Sigue leyendo

Paul Conrad, el dibujante que irritaba a los presidentes

"El encubrimiento". Paul Conrad

SANDRO POZZI 06/09/2010

Paul Conrad creó algunas de las mejores viñetas políticas de las últimas cinco décadas en Estados Unidos, con las que desnudó las verdades de presidentes como George Bush, al que representó en 2004, sometido a los abusos sufridos por los presos iraquíes en la cárcel de Abu Ghraib, en manos de las tropas estadounidenses. El dibujo iba acompañado con dos palabras: el encubrimiento.

Tres veces galardonado con el Pulitzer, el premio más importante en el mundo del periodismo, Conrad falleció por causas naturales el pasado 4 de septiembre en California. Tenía 86 años. Durante tres décadas, el dibujante liberal utilizó su lápiz afilado para, desde las páginas de Los Angeles Times, pinchar a sus emperadores, desde el presidente Truman hasta Bush. Sigue leyendo

Corneille, último miembro del movimiento CoBrA

MIGUEL GENER | Corneille, junto a uno de sus cuadros en 1997, en Madrid.

ISABEL FERRER 07/09/2010

La muerte, el 5 de septiembre, a los 88 años, del pintor holandés Guillaume Cornelis Beverloo, conocido como Corneille, ha devuelto a la actualidad el movimiento artístico que le hizo famoso, CoBrA. Fundado en 1948 junto con otros colegas daneses (C de Copenhague), belgas (B de Bruselas) y holandeses (A de Ámsterdam), sus ideales pacifistas le acompañaron hasta el final.

CoBrA rechazó el racionalismo que provocó la II Guerra Mundial y abrazó la inocencia de los niños, el arte primitivo y la verdad de los locos. Los pintores y poetas que acompañaron a Corneille en la aventura, entre ellos el más famoso, Karel Appel, llenaron sus lienzos de trazos en apariencia infantiles. De animales y colores vibrantes, y de máscaras de inspiración africana. El éxito y las críticas no se hicieron esperar y el grupo de jóvenes airados, y con talento, actuó como un revulsivo. Sigue leyendo

Murió Bruno S., actor de “El enigma Kaspar Hauser” de Werner Herzog

EL ENIGMA DE KASPAR HAUSER / Jeder für sich und Gott gegen alle (1974) -Cada uno para sí y Dios contra todos- es la celebrada película de Herzog sobre Kaspar Hauser

M. Á. PALOMO 01/09/2010

El actor Bruno S., el rostro de Gaspar Hauser en la recordada película de Werner Herzog, quien lo denominaría “el soldado desconocido del cine alemán”, murió el pasado 11 de agosto a los 78 años. Solo interpretó tres filmes en su brevísima carrera, pero aún permanece en la memoria de todos los cinéfilos.Bruno Schleinstein no era actor profesional y siempre se movió en la marginalidad: nació el 2 de junio 1932, hijo no deseado de una prostituta; a los tres años fue ingresado en un orfanato y durante 20 viviría en diferentes instituciones, hasta que Werner Herzog lo eligiese para protagonizar El enigma de Kaspar Hauser, filme que marcaría el devenir del actor. Sigue leyendo

La masa amenaza la Capilla Sixtina

REUTERS | Visitantes de la Capilla Sixtina contemplan los frescos de Botticelli, Ghirlangaio y Rosselli (de izquierda a derecha), bajo la cúpula y el frontispicio de Miguel Ángel.

MIGUEL MORA – Roma – 04/09/2010

La señora colombiana gordita y su hija, el grupo de jubilados alemanes y los casi 400 turistas que les acompañaron anoche a la inauguración de las visitas nocturnas a los Museos Vaticanos (todos los viernes de septiembre y octubre, de 19.00 a 23.00, en pases de media hora) seguramente ignoran que en el momento de rascarse la coronilla y mirar hacia arriba con la boca abierta están poniendo en peligro los frescos más famosos del mundo.

Pero se trata de una certeza. Lo acaba de advertir el director de los Museos Vaticanos: la Capilla Sixtina no respira como respiraba, y los delicados frescos de Miguel Ángel, Botticelli, Pinturicchio, Perugino o Signorelli están en peligro por culpa de las visitas cada vez más masivas, que dejan en el aire una miríada de invisibles residuos low cost: polvo, aliento y sudor, cabellos y caspa, hilos de lana, fibras sintéticas, fragmentos de piel…

Es el (sucio) precio a pagar por la globalización, los vuelos baratos y la reciente ampliación del horario de entrada a las suntuosas galerías papales hasta las seis de la tarde; la involuntaria propina que dejan los 7,3 millones de turistas que cada año contemplan extasiados (e intoxicando sin saberlo) la sagrada Capilla Sixtina. Sigue leyendo

El ‘pissarro’ de la discordia

Rue St. Honoré. Après-midi. Effec de pluie, de Camile Pissarro, en el Thyssen

MIGUEL PÉREZ / DAVID NELSON – Madrid – 01/09/2010

Parece una calle tranquila, se diría que lánguida. No tanto, si se atiende a su extraordinaria peripecia. Camille Pissarro retrató en 1897 un lluvioso paisaje parisiense en su Rue St. Honoré. Après-midi. Effet de pluie. Desde entonces, el cuadro ha pasado casi la mitad de su existencia de mano en mano, sin saber muy bien a quién pertenece. Sufrió la amenaza nazi, que provocó la separación de su dueña para que ella pudiera seguir viviendo. Ahora cuelga de una pared en el Museo Thyssen de Madrid, después de que el barón vendiera su colección al Estado español en 1993. Y desde Los Ángeles, un hombre llamado Claude Cassirer reclama desde 2001 el cuadro que los nazis obligaron a vender a su abuela. Un tribunal de esa ciudad le acaba de conceder el derecho a iniciar un litigio contra el Estado español y la Fundación Thyssen para recuperarlo, rechazando el argumento de España de que no se puede demandar a un Estado extranjero en EE UU. Sigue leyendo

El arrebato asesino de Caravaggio

Retrato de Caravaggio, por Ottavio Leoni.

Retrato de Caravaggio, por Ottavio Leoni.

SILVIA CAMPILLO 29/08/2010

Caravaggio ha venido al mundo para destruir el arte”, dijo el pintor francés Poussin cuando se acercó a la obra del artista lombardo por primera vez, a finales del siglo XVI. Sin embargo, Michelangelo Merisi di Caravaggio (1571-1610) se destruyó a sí mismo. Muchos historiadores coinciden en que el artista sufría impulsividad psicopática, lo que le hacía superar los límites de la vehemencia y le convertían en un auténtico pendenciero, hasta el punto de ser capaz de atacar a alguien por el más mínimo malentendido. Sin embargo, el motivo por el cual el pintor dio muerte a Ranuccio Tomassoni, entre las 19 y las 22 horas del 29 de mayo de 1606 (según recogen Riva & Viganò en su libro Un delitto al giorno), fue por una discusión mientras se enfrentaban durante un partido de pala a corda (precursos del tenis), donde se juegaban diez escudos. Sigue leyendo

La volatilidad también es arte

Tras años de fuertes subidas, las obras de Muntean & Rosenblum han comenzado a caer de precio.

MIGUEL ÁNGEL GARCÍA VEGA 29/08/2010

Jose Mugrabi es uno de los grandes coleccionistas de arte contemporáneo. Apasionado de Andy Warhol, posee unas 800 pinturas del rey del arte pop. Teniendo en cuenta que el pintor estadounidense creó entre 1952 y 1987, año de su muerte, 8.000 cuadros, Mugrabi controla el 10% del mercado mundial de warhols. “Es una situación que en cualquier otro mercado sería considerada monopolística y, por tanto, no se permitiría”, afirma el coleccionista y empresario Marcos Martín Blanco, quien también cuenta con obras de este creador en su colección.

No es un mercado pequeño el que maneja Warhol. Hablamos de cientos de millones de euros. “Al fin y al cabo, Warhol es a este elitista mundo lo mismo que el índice Dow Jones a la Bolsa”, reflexiona el abogado y coleccionista Paco Cantos. De hecho, muchos competidores por la obra de Warhol han acusado a Mugrabi de manipular el mercado pujando en exceso, por ejemplo, por trabajos menores. Él se excusa argumentado que “defiende” la obra “de un artista al que ama”, como la defienden sus galeristas (Larry Gagosian o Bruno Bichofberger). Sigue leyendo

Tirar la foto, esconder la mano

Instantánea de la vieja tradición de retratos sin consentimiento. Harry Callahan (en Atlanta, en 1984)

PATRICIA TUBELLA – Londres – 24/08/2010

Probablemente Edgar Degas no fuera el primer famoso retratado de forma furtiva y morbosa. Pero una imagen del artista a la salida de un pissoir o aseo público -capturada en su tiempo por el italiano Giuseppe Primoli, quizá el primer paparazzo de la historia- nos ilustra que las instantáneas de las celebrities en situaciones más o menos embarazosas ya eran un objetivo codiciado a mediados del siglo XIX. Aunque la pasión por la mirada indiscreta se remonta a tiempos inmemoriales, la noción de una sociedad de voyeurs en la que todos observamos a la vez que somos observados es inseparable de la invención de la fotografía y sobre todo de la producción masiva de cámaras, cómodas en el manejo y accesibles a un amplio espectro de usuarios.

Se puede culpar a las modernas tecnologías de alentar esa afición insana por las vidas de los otros, que hoy domina la cultura de masas, pero la vocación aparece innata a la condición humana y solo hacía falta hallar los medios adecuados para suplirla. Sigue leyendo

En el agujero negro del horror

Cincuenta años después, ‘Psicosis’ muestra el camino que debería haber seguido el cine comercial para cautivar la atención del espectador. El abrumador dominio visual de Hitchcock no tiene herederos

JESÚS MOTA 28/08/2010

Psicosis (Psycho, 1960) es un agujero negro de alta densidad narrativa. Desde el momento en que la cámara entra (¿subrepticiamente?) por la ventana del pequeño apartamento en el que retozan Marion Crane (Janet Leigh armada con un sujetador acorazado) y Sam Loomis (John Gavin, con el torso desnudo; la comparación de atuendos entre Marion y Sam ya asombró al crítico Jean Douchet) el espectador queda invitado a ejercer como voyeur de acontecimientos hipnóticos. Pocos rechazan esa invitación y pocos se resisten a la inmersión plena en las imágenes. La fuerza de la atracción que arrastra al espectador procede de un vórtice endiablado: ha sido convocado como observador privilegiado, los magnificados detalles hiperrealistas (las gafas de sol del policía de carreteras, la cortina de lluvia sobre el automóvil de Marion, el motel trivial con la casa gótica de la colina) le obnubilan y se le conduce (o manipula) mediante señuelos, cebos y trampas. Psicosis esculpió para siempre la fama de embaucador (del espectador, se entiende) de su director.

“La lógica es aburrida”, repetía Hitchcock a todo el que quería escucharle. Basta seguir su explicación de Psicosis (parcial, displicente) para caer en la cuenta de que su lógica es la de la manipulación, que sí resulta divertida. Sigue leyendo

Esto es periodismo

© Corentin Fohlen / Fedephoto Prix du Jeune Reporter de la Ville de Perpignan 2010

ÁLEX VICENTE PARÍS 27/08/2010

Dicen las mentes más simples y los críticos más inflexibles que, desde los albores del fotoperiodismo, todas las fotos de guerra han sido exactamente iguales. Paisajes desolados, rostros marcados por el sufrimiento, soldados abatidos en el campo de batalla y víctimas colaterales con alguna que otra extremidad amputada, que a menudo obligan al espectador a apartar la mirada. Una imagen caricaturesca que el festival Visa pour l’Image se esfuerza en combatir desde hace 22 años en Perpiñán, sede del principal certamen internacional consagrado al reporterismo, que abre sus puertas mañana en la capital del Rosellón. “Si todas las fotos de guerra son iguales, ¿qué decir de las de fútbol? Que yo sepa, siempre aparece un chico en pantalón corto corriendo tras un balón. Y de eso no hay nadie que se harte”, protesta el fundador del festival, Jean-François Leroy. Lo sigue dirigiendo contra viento y marea, oponiéndose a la deriva mercantil de los medios de comunicación, que el año pasado aseguró que acabarían fulminando a la profesión.

Algo menos pesimista, Leroy ha matizado este año su sombrío diagnóstico. E incluso ha detectado algunos brotes verdes, a través de nuevos modelos de financiación para los reportajes, la esperanza de Internet como soporte de futuro y la multitud de fotógrafos jóvenes que escogen el reporterismo, mientras todo el mundo insiste en que se trata de un oficio en vías de extinción.

Sin embargo, sigue mostrándose igual de severo con los dirigentes de las principales cabeceras del planeta. “No es el fotoperiodismo el que está en crisis, sino el periodismo a secas. Hace veinte años, los periódicos estaban dirigidos por periodistas. Hoy los dirigen banqueros que no tienen ni idea sobre la jerarquía informativa. Apuestan por los temas que supuestamente venden, como el corazón o los deportes, y prefieren ignorar el resto de asuntos”, apunta. Sigue leyendo

La vuelta del sargento Kirk

Imagen de Sargento Kirk, de H. G. Oesterheld y Hugo Pratt (Norma).

ÁLVARO PONS 28/08/2010

Novela gráfica. Aunque la temporada otoñal parece escasa en cuanto a estrenos de cómic de autores hispanoamericanos, pocas veces aquello de “más vale calidad que cantidad” puede ser más apropiado, ejemplificado a la perfección con tres novedades que llegarán en los próximos meses a las librerías. En primer lugar, la nueva novela gráfica de Paco Roca, ganador del Premio Nacional de Cómic con la exitosa Arrugas y que demuestra su incesante inquietud explorando ahora la intrahistoria del tebeo español con El invierno del dibujante (Astiberri), donde narra las vicisitudes de los autores de cómics que trabajaban para la editorial Bruguera en la Barcelona de los años cincuenta. Una obra que coincidirá en tema y momento con el estreno de la esperada película del director Óscar Aibar sobre Manuel Vázquez, el carismático dibujante de Anacleto o La abuelita Paz que será también protagonista de un completo libro teórico a cargo del prestigioso especialista Antoni Guiral. Sigue leyendo

Fetichismo de mierda

La Merde d’artiste de Manzoni

CATALINA SERRA – Barcelona – 09/08/2007

Un pequeño terremoto ha sacudido este verano el mundillo artístico. El epicentro han sido las famosas y provocadoras latas de Merde d’artiste de Piero Manzoni cuyo contenido parece ser uno de los misterios mejor guardados del arte contemporáneo. ¿Qué hay en su interior? Con seguridad, nadie parece saberlo. Un colega suyo afirma que hay yeso. A los coleccionistas, que han llegado a pagar 97.000 euros por un ejemplar, les da igual.

La Merde d’artiste de Manzoni es tal vez el artefacto más curioso e intrigante de la historia reciente del arte. Se trata de un múltiple, es decir, 90 latas de conserva de pequeño tamaño con una etiqueta que pone, en varios idiomas: “Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservado al natural. Producida y envasada en mayo de 1961”. Sobre la tapa, el número de la lata y la estampación de la firma del artista: Piero Manzoni.

La opinión que tenía Manzoni sobre el mercado del arte y su funcionamiento queda meridianamente clara con esta pieza que, precisamente, en su irónica radicalidad intentaba llevar al límite la capacidad de asimilación del consumismo aplicado al arte. Sigue leyendo

“Uno puede cambiar con una bandada de pájaros”

Foto de Graciela Iturbide.P. H. R.

Nuestra señora de las iguanas (1979)/Graciela Iturbide

P. H. R. MADRID 25/06/2010

Hay fotógrafos que acaban perteneciendo a sus fotografías. Esa señora gigante, triunfante, en contrapicado, vendedora de iguanas en Juchitá, con la cabeza tocada con varios de esos reptiles, se quedó con la fotógrafa Graciela Iturbide hace años. El icono devoró al creador, cuando este creía habérselo arrebatado a la realidad.

Graciela Iturbide nació en México DF hace 68 años y es la nueva Premio PHotoEspaña Baume & Mercier, que, sumado al Premio Hasselblad que recibió el pasado año, la convierten en una de las grandes referencias de la fotografía documental. Aunque como ella misma dice, “todo es documento, hasta la fotografía abstracta”. Sigue leyendo

“La Iglesia tuvo en Miguel Ángel al publicista de la religión católica”

Ni unos carnavales, ni una crema para la piel, Oliveiro Toscani montó esta imagen para una empresa de comida para perros y gatos.

Ni unos carnavales, ni una crema para la piel, Oliveiro Toscani montó esta imagen para una empresa de comida para perros y gatos.LÍDIA PENELO

LÍDIA PENELO BARCELONA 16/07/2010

Sus trabajos han dado la vuelta al mundo. No le gusta la palabra fotoperiodismo, ni las categorías, ni los límites, y sus fotografías son un buen ejemplo de ello. Oliviero Toscani (Milán, 1942) combina la publicidad, la fotografía de moda y el activismo social con una provocación apabullante. Junto a Susan Meiselas, encabeza el cartel del OjodePez Photo Meeting, un nuevo punto de encuentro internacional para la fotografía documental en Barcelona. Durante su estancia, Toscani desprendió una actitud enérgica, lúcida y divertida.

¿Por qué dice que no se considera un fotógrafo?

Los fotógrafos son como maníacos sexuales, siempre piensan en las imágenes, y yo no siento atracción física hacia la fotografía, no soy un obseso fotográfico. Lo que me interesa son las imágenes publicadas, el negativo no me dice nada. No me gusta la masturbación en un cuarto oscuro.

¿Cómo se lleva con las nuevas tecnologías?

Vivimos un momento de gran des cambios, pero yo no dependo de la técnica. Había quien pronosticaba la desaparición de la fotografía, pero ocurre todo lo contrario. Hoy con una imagen cada cual se monta su película.

¿Qué le enganchó de la fotografía?

Las imágenes son la memoria histórica de la humanidad. La fotografía es la manera moderna para comunicarnos. Por eso me disgusta la palabra fotoperiodismo, la considero una discriminación porque todo es fotoperiodismo. La función de la fotografía es la de documentar, no la de inventar. Debemos tener claro que cada persona trabaja desde su realidad particular. No olvidemos que todo depende de quién es tu cliente.

Con Benetton no terminó demasiado bien…

Depende de cómo se mire, los engañé durante 18 años… Sigue leyendo

De toros y argumentos

Foto: Mario Rubio

Ni la tradición, ni la libertad de empresa, ni la protección de una especie, ni el arte y la diversión de los aficionados sirven para justificar una actividad que produce dolor y sufrimiento a un mamífero superior

PABLO DE LORA, JOSÉ LUIS MARTÍ Y FÉLIX OVEJERO 19/08/2010

En el mundo hay personas que creen que los animales poseen ciertos derechos, o cuanto menos que los seres humanos tenemos ciertas obligaciones para con ellos. Y también hay personas que genuinamente creen que no. No es un drama. También hay quienes creen que Elvis Presley sigue con vida, que el color de la piel debe determinar nuestros derechos o que vivimos entre fantasmas. Hay gente para todo.

Pero no hay razones para todo. Los filósofos morales discrepan profundamente sobre el estatus ético de los animales no humanos, pero muy pocos, por no decir ninguno, sostienen que no tenemos ninguna obligación de respeto mínimo, al menos hacia los grandes mamíferos. También los legisladores en muchísimos países del mundo piensan que la crueldad o el maltrato gratuito hacia los animales no son admisibles, llegando a considerar esos actos como delitos. En Estados Unidos, una ley federal promulgada en 1999 castigaba incluso la creación, venta o posesión con fines comerciales de material gráfico que muestre crueldad animal. Con esa norma se trataba de poner coto a la industria de los llamados crush videos -imágenes que muestran la tortura intencional y sacrificio de animales indefensos (perros, gatos, monos, ratones y hámsters)- con los que, al parecer, algunos individuos obtienen placer sexual.

La discusión se centra, por tanto, en estas otras cuestiones: ¿qué obligaciones concretas tenemos y hacia qué animales? ¿Cómo podemos ponderar dichas obligaciones con otras consideraciones moralmente valiosas, como la alimentación y supervivencia de los propios seres humanos o la investigación médica? ¿Es el ocio o incluso el arte uno de esos bienes que cabe sopesar frente al sufrimiento cierto de un animal no humano, como ocurre en las corridas de toros?

Habida cuenta de la alarmante confusión que ha presidido estos días los debates y comentarios, queremos analizar algunos de los argumentos esgrimidos en defensa de la pervivencia del llamado “espectáculo” de los toros e impedir su prohibición.

Vamos a orillar la cuestión identitaria, que algunos interesadamente han introducido en el debate, o la disputa jurídica sobre la competencia del Parlament para tomar esta decisión, así como la hipocresía o incoherencia moral de quienes defienden la medida adoptada, pero no se oponen con parecidas armas a otras prácticas igualmente crueles. Nos centraremos en estos cinco argumentos: la tradición, la desaparición natural, la preservación de la “especie”, la libertad y el arte. Sigue leyendo

Apostasía

Obra de Piero Manzoni. Tirada exclusiva de 90 latas que él mismo envasó y que contenían 30 gramos de su propia mierda, latas a las que denominó "100 % mierda de artista".

José Ángel Mañas 14/08/2010

Lo que me gusta del verano es que, con la modorra, se reduce la actividad social y uno se encuentra, de repente, con bastante tiempo para leer. Acabo de terminar, con algo de retraso, el ensayo que publicó Umberto Eco sobre la fealdad (Historia de la fealdad, Lumen 2007) y, más allá de los méritos que pueda tener el texto, me ha llamado la atención el que no ha quedado resaltado con suficiente fuerza algo que para mí es una evidencia: que se puede considerar al conjunto del arte contemporáneo, con muy pocas excepciones, como una apología de la fealdad.

Lo que supone el arte contemporáneo es, básicamente, una inversión radical de valores estéticos; un repetir, con las brujas de Macbeth, lo que es feo es bello, lo que es bello es feo (la frase también se cita en el libro). Si alguien tiene alguna duda, no tiene más que entrar en cualquier museo consagrado al arte contemporáneo y hacerse esta pregunta: ¿cuántas de las obras aquí presentes puedo considerar realmente bellas? Sigue leyendo

La piedra rosetta del jazz

William Savory.-

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ – Madrid – 19/08/2010

En los mentideros del jazz no paraba de hablarse de ella aunque nadie había podido verificar su existencia. La Colección Savory constituía una de esas leyendas románticas que alimentan los sueños húmedos del aficionado. Un verdadero tesoro escondido de grabaciones inéditas procedentes de la edad dorada del género. Lo nunca escuchado de los más grandes: de Louis Armstrong a Billie Holiday o Count Basie. Durante décadas, el autor de las grabaciones, un oscuro y excéntrico ingeniero de grabación llamado William Savory, impidió celosamente el acceso a las mismas con muy pocas excepciones. Hasta ahora.

El National Jazz Museum, en Harlem (Nueva York), ha anunciado la adquisición de la colección, compuesta por 975 discos de aluminio y vinilo. Las grabaciones, todas inéditas, fueron hechas por Savory a partir de retransmisiones radiofónicas, entre los años 1935 y 1941. Su calidad técnica, se asegura, es excepcional para la época.

Los discos registrados por Savory permiten escuchar a los grandes iconos de la era del swing a sus anchas y sin las limitaciones de tiempo que imponían los discos de 78 revoluciones por minuto. Entre los artistas representados, se hallan los más grandes directores de orquesta -Count Basie, Lionel Hampton, Artie Shaw o Benny Goodman- y solistas: Lester Young, Fats Waller… Al margen del jazz, la colección incluye grabaciones en directo de Arturo Toscanini y Eugene Ormandy y alocuciones a cargo de Franklin D. Roosevelt, el papa Pío XII y James Joyce. Sigue leyendo

Teleseries de autor

Marcelo Figueras 14/08/2010

En la calidad de la escritura de los guiones está el éxito que viven hoy las series de televisión. Es allí donde parece emerger una creatividad renovadora que podría equipararse a la que supuso el teatro isabelino en su época.

Hasta el siglo XVII, los dramaturgos ingleses (Marlowe, Shakespeare, Jonson) veían sus obras editadas tan sólo en el formato denominado quarto. Así llamados debido a su fabricación -una hoja doblada se convertía en varias páginas de texto impreso-, los quartos se parecían a un panfleto. Hoy suena inverosímil, pero aquellos dramas y comedias no habían alcanzado aún el prestigio de las formas consagradas por el libro: el ensayo (Montaigne, Bacon), los diccionarios y enciclopedias (Florio, Topsell), la narrativa (Cervantes) y la poesía. ¡El único libro de su autoría que Shakespeare acarició en vida fue el de los Sonetos de 1609!

Aquellos quartos son los precursores de los guiones de hoy. Pero tranquilos, que no pretenderé a continuación que los guionistas somos Shakespeare. Aunque no sería injusto parangonar a ciertos autores (Mankiewicz, Wilder, Chayefsky, Coppola) con el Thomas Kyd de The Spanish Tragedie: ilustres antecesores de un relámpago que todavía no encendió nuestro cielo. (¿O será posible que nos haya visitado, ya, bajo el nombre The Wire?).

Tampoco sostendré que los guiones son alta literatura, aunque no cerraría la puerta a su valoración como subgénero. En sus características esenciales -pocas pero precisas indicaciones, diálogos, definición de parámetros visuales y sonoros-, los guiones profetizaron las formas de leer, ver y oír en sincronía que los nuevos soportes hacen ya posible. Las generaciones venideras leerán algo que se parecerá más a un guión que a una novela. No digo que será mejor, pero tampoco peor. Un siglo atrás nadie imaginaba que el cómic emularía la potencia narrativa de la literatura. Hoy títulos como From Hell, de Alan Moore, comparten mi estantería con Marlowe y Shakespeare, y sin complejo de inferioridad alguno. Sigue leyendo

Una ciudad para el peatón

Los alrededores del puente de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York   (EEUU).

Los alrededores del puente de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York (EEUU).Our Cities, Ourselves

MARTA DEL AMO MADRID 19/08/2010

Las ciudades han cambiado mucho desde que el ser humano se hiciera sedentario, hace unos 10.000 años. El incremento de la población y el desarrollo de la tecnología han modelado lo que en el pasado fueron pequeñas aldeas de agricultores hasta convertirlas en las grandes urbes que son hoy en día. El intenso crecimiento en algunas de ellas las ha “plagado de infraestructuras orientadas al transporte automovilístico“, como explica a Público el director del Instituto de Transporte y Política de Desarrollo (ITDP) de EEUU, Walter Hook. Para revertir este proceso, la organización ha puesto en marcha una exposición en Nueva York que muestra cómo serían diez de las grandes ciudades del mundo si sus infraestructuras giraran en torno al transporte sostenible.

El título de la exposición, Our Cities, Ourselves (que se traduce como “nuestras ciudades, nosotros mismos”) resume su objetivo: “El estilo de vida puede ser completamente diferente en función de cómo se haya diseñado la comunidad”, alega Hook. Los diez bocetos no sólo persiguen incentivar las infraestructuras sostenibles, sino hacer ver a la población cómo podría ser la vida bajo esos diseños. “Si una ciudad se enfoca hacia el transporte en bicicleta y a pie, sus habitantes caminarán hasta la parada de autobús más cercana”, asegura. Sigue leyendo

Abbey Lincoln, mucho más que una cantante de jazz

Abbey Lincoln.-

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ 17/08/2010

Llevaba tres años recluida en su apartamento de Manhattan esperando a la muerte. Y esta le sobrevino, finalmente, el pasado sábado. Abbey Lincoln, la belleza indómita de sus primeros años como actriz de cine reconvertida en activista antisistema y en una de las cantantes más singulares que ha producido el jazz en su historia, se fue sin decir adiós a quienes durante tres años han esperado en vano verla de nuevo subida a un escenario. Sigue leyendo

La Tate exhibe los grabados perdidos de William Blake

Ilustración de William Blake para El libro de Urizen.- TATE BRITAIN

WALTER OPPENHEIMER – Londres – 13/08/2010

En los años setenta, un coleccionista anónimo compró una caja con libros de segunda mano que contenía un tesoro: entre aquellos volúmenes había un folleto con los horarios del ferrocarril y, dentro de aquel folleto, ocho grabados pensados, dibujados e impresos por William Blake para acompañar tres de sus obras literarias. Esas minúsculas obras de arte fueron adquiridas en enero pasado por la Tate Gallery, que pagó por ellas 441.000 libras (535.000 euros) a ese coleccionista, que permanece en el anonimato.

Ahora, coincidiendo con el 183º aniversario de la muerte del artista, esos ocho pequeños y a menudo turbulentos grabados constituyen el plato fuerte de una exposición que, bajo el título de Románticos, ha abierto la Tate Britain en Londres. Reúne más de 170 piezas de artistas como William Turner, John Constable, Henry Fuseli, Samuel Palmer, John Martin, John Linnell, Henry Wallis, Edwind Landseer o William Etty. Sigue leyendo

Fernando Fernández, un gran experimentador del cómic español

"Zora y los Hibernautas", 1980 de Fernando Fernandez. Publicado en "1984".

ÁLVARO PONS 12/08/2010

Hay años que es mejor olvidar. Y, para la historieta española, 2010 será uno de ellos. Tras las desapariciones de Juan José Carbó, Antonio Parras o Víctor de la Fuente, el pasado 10 de agosto fallecía a los 70 años de edad y tras una larga enfermedad, Fernando Fernández.

Hay años que es mejor olvidar. Y, para la historieta española, 2010 será uno de ellos. Tras las desapariciones de Juan José Carbó, Antonio Parras o Víctor de la Fuente, el pasado 10 de agosto fallecía a los 70 años de edad y tras una larga enfermedad, Fernando Fernández. Dibujante, ilustrador, pintor, docente y teórico, fue integrante destacado del grupo de autores que impulsarían el renacimiento del cómic español en la década de los ochenta. Sigue leyendo

El tipo que miraba a ritmo de ‘bop’

WILLIAM GOTTLIEB | Arriba, tarde de béisbol de 1947 con el arreglista Pete Rugolo (con el bate) y la cantante June Chisty (primera por la izquierda).

MOKHTAR ATITAR – Madrid – 10/08/2010

“Mi interés por el jazz tuvo sus orígenes en una pieza de cerdo mal cocinada”. Tan improbable motivo condujo a William Gottlieb, Mr. Jazz, (1917-2006) a sus primeros contactos con un estilo musical al que dedicaría su carrera como crítico y fotógrafo, primero en Washington y luego en Nueva York. Porque ese plato mal cocinado derivó en el verano de 1936 en una triquinosis y las horas muertas de la convalecencia fueron amenizadas con discos de jazz y revistas musicales. Eran los años que él mismo bautizó en el título de su libro como La edad dorada del jazz.

Se trata de retratos de Dizzy Gillespie, Cab Calloway o Billie Holiday. Relajadas escenas en los clubes y estudios que ahora, según su última voluntad, la Biblioteca del Congreso de EE UU ha hecho públicos en la red social de fotografía Flickr , sin restricciones de derechos de autor.

En 1938, licenciado en economía y convertido en un frenético jazzista, Gottlieb entró, gracias a un enchufe, en The Washington Post. Los editores del periódico no le consideraron apto para escribir y el joven acabó en la sección de publicidad. Para intentar ganar algo más de los 25 dólares semanales que le pagaban, propuso a sus jefes publicar una columna semanal de jazz. Sigue leyendo

Guerra abierta de subastas

Foto de la Bolsa de Nueva York de Andreas Gursky

MIGUEL PÉREZ – Madrid – 09/08/2010

Como ya sucedió con el gigante energético Enron hace unos años, Lehman Brothers dirá adiós a su colección de arte contemporáneo para ayudar a pagar la enorme deuda que arrastra desde su quiebra en 2008. Las posesiones artísticas de este banco centenario se venderán al mejor postor el próximo septiembre en sendas subastas casi simultáneas en los dos templos por excelencia de la puja : Christie’s, en Londres, y Sotheby’s, en Nueva York.

La empresa auditora que administra los activos del banco desde la quiebra, Pricewaterhouse Coopers (PwC), confirmó ayer que Christie’s será la encargada de subastar la colección de arte contemporáneo que decoraba las oficinas de Lehman Brothers en Reino Unido. Sigue leyendo

El álbum secreto de Frida Kahlo

NICKOLAS MURAY | Frida Kahlo en Nueva York, 1946.

GREGORIO BELINCHÓN – Madrid – 08/08/2010

Como la mayor de las riquezas secretas en una isla del tesoro, las joyas estaban allí, encerradas, sin que nadie supiese lo que ocultaba el archivo. Pocas veces el mundo del arte se ha visto conmocionado con un descubrimiento así. Cuando Frida Kahlo falleció en 1954, con 47 años, Diego Rivera donó la Casa Azul de Coyoacán al pueblo de México para que se convirtiese en el museo de Kahlo. Sin embargo, los archivos fotográficos de la artista eran también los de él (en vida, ella los había fusionado en uno) y Rivera los guardó. Poco antes de morir, pidió a su albacea, Lola Olmedo, que sus papeles no vieran la luz hasta 15 años después de su muerte. Durante 50 años aquellos armarios y cómodas repletas de fotografías permanecieron sellados. Hasta que en 2006 la luz iluminó sus secretos.

Y aparecieron 6.000 fotografías. Vibrantes, familiares, artísticas, dedicadas, personales, inspiradoras, turísticas, trucadas, recortadas y algunas, solo algunas, hechas por la misma Kahlo. Sigue leyendo

El niño que disputa el trono a Damien Hirst

PICTURECRAFT | St. Benet's Abbey, una de las pinturas vendidas de Williamson.

MIGUEL PÉREZ – Madrid – 05/08/2010

Lo llaman “el pequeño Monet” porque solo tiene siete años y sus trazos se parecen a los del pintor francés de finales del XIX. Otros dicen que es un neoimpresionista o que es el sucesor de los modos geniales de Pablo Picasso. Su nombre es Kieron Williamson, arrebata titulares de prensa a Damien Hirst y los suyos y desde su casa de Holt, al noreste de Londres, pinta paisajes ante la mirada atenta de los coleccionistas de arte.

Desde que el pasado 30 de julio comenzó a exponer en la galería Picturecraft, situada a escasos metros de su casa, sus pinturas no han dejado de aparecer en las portadas de la prensa o en las televisiones estadounidenses y británicas, como el Channel Four de la BBC, que ya ha estado filmando al joven artista mientras trabaja en su casa.

La semana pasada, el joven Williamson vendió 33 de sus pinturas, que se exponían en la galería Picturecraft, según el diario británico The Daily Telegraph. Sigue leyendo

Gene Krupa, o ser feliz no cuesta nada

RAY LORIGA 01/08/2010

La verdad es que ser feliz no cuesta nada.

El otro día sin ir más lejos encontré en Internet la imágenes de un sueño. Se trata de un viejo programa de televisión que vi hace mucho tiempo y que enfrentaba, es un decir, en realidad juntaba, a tres de los mejores bateristas de todos los tiempos, Gene Krupa, Lionell Hampton y Chico Hamilton. Llamar baterista a Lionel Hampton es una reducción imposible de la que soy consciente, el gran señor era a su vez vibrafonista, pianista, cantante y director de orquesta. Chico Hamilton también movía los hilos de su propia música, y qué decir de Krupa, ni el Keith Moon de los mejores Who podría seguir el ritmo de su extraña locura.

Las imágenes de ese duelo entre gigantes las vi hace años en un programa de la antigua televisión, esa que tenía cuernos y era en blanco y negro y nos castigaba con un himno nacional al final de cada jornada, y si les digo la verdad eran tan formidables que durante años pensé que no existían de verdad, que yo solito me las había inventado, que no eran más que un sueño. Sigue leyendo

Cien artistas del cine hispanoamericano eligen las 10 películas que cambiaron su vida

"El Padrino", de Francis Ford Coppola ha aventajado en casi cien votos a la segunda clasificada

“El País Semanal” ha preguntado a 100 profesionales del cine las películas que les han marcado.

MANUEL GUTIÉRREZ ARAGÓN

1. Reyes Abades 1. Lo que el viento se llevó, Victor Fleming. 2. Los santos inocentes, Mario Camus. 3. Apocalypse now, Francis Ford Coppola. 4. Blade Runner, Ridley Scott. 5. La chaqueta metálica, Stanley Kubrick. 6. Cantando bajo la lluvia, Stanley Donen y Gene Kelly. 7. En el nombre del padre, Jim Sheridan. 8. La guerra de las galaxias, George Lucas. 9. La leyenda de la ciudad sin nombre, Joshua Logan. 10. El laberinto del fauno, Guillermo del Toro.

2. Arancha Aguirre 1. Dublineses, John Huston. 2. La quimera del oro, Charles Chaplin. 3. Ser o no ser, Ernst Lubitsch. 4. La gran ilusión, Jean Renoir. 5. Amarcord, Federico Fellini. 6. Amanecer, F. W. Murnau. 7. Plácido, Luis García Berlanga. 8. Jules y Jim, François Truffaut. 9. Ladrón de bicicletas, Vittorio De Sica. 10. Dersu Uzala, Akira Kurosawa.

3. Javier Aguirresarobe 1. Ciudadano Kane, Orson Welles. 2. El Padrino, Francis Ford Coppola. 3. Lo que el viento se llevó, Victor Fleming. 4. El acorazado Potemkin, Sergei M. Eisenstein. 5. Casablanca, Michael Curtiz. 6. Lawrence de Arabia, David Lean. 7. Perdición, Billy Wilder. 8. Apocalypse now, Francis Ford Coppola. 9. Cantando bajo la lluvia, Stanley Donen y Gene Kelly. 10. La lista de Schindler, Steven Spielberg.

4. José Luis Alcaine 1. La quimera del oro, Charles Chaplin. 2. Viridiana, Luis Buñuel. 3. Eva al desnudo, Joseph L. Mankiewicz. 4. Roma, ciudad abierta, Roberto Rossellini. 5. El crepúsculo de los dioses, Billy Wilder. 6. Las uvas de la ira, John Ford. 7. Los 400 golpes, François Truffaut. 8. Ciudadano Kane, Orson Welles. 9. Te querré siempre, Roberto Rossellini. 10. Gertrud, Carl Theodor Dreyer.

5. Iván Aledo 1. La mamá y la puta, Jean Eustache. 2. El río, Jean Renoir. 3. Amanecer, F. W. Murnau. 4. Luces de la ciudad, Charles Chaplin. 5. Vivir su vida, Jean-Luc Godard. 6. Escrito bajo el sol, John Ford. 7. Dersu uzala, Akira Kurosawa. 8. Doctor Zhivago, David Lean. 9. El cazador, Michael Cimino. 10. ¡Olvídate de mí!, Michael Gondry.

6. Pedro Almodóvar 1. Con la muerte en los talones, Alfred Hitchcock. 2. El Padrino (partes I y II), Francis Ford Coppola. 3. Ciudadano Kane, Orson Welles. 4. Taxi driver, Martin Scorsese. 5. Fellini ocho y medio, Federico Fellini. 6. Viridiana, Luis Buñuel. 7. El verdugo, Luis G.Berlanga. 8. Con Faldas y a lo loco, Billy Wilder. 9 Círculo rojo, J.P. Melville. 10. Eva al desnudo, Joseph L. Mankiewicz. Sigue leyendo

El arquitecto que salvó La Alhambra

El Patio de los Leones de La Alhambra, en Granada.

El Patio de los Leones de La Alhambra, en Granada. AMINA NASSER

AMINA NASSER GRANADA 18/07/2010 08:00

En este lentísimo pasar de las horas, en estos inacabables días de espera angustiosa, la imaginación se distrae evocando el pasado, ya que el presente está preñado de dolor y del futuro no se perciben más que tintes sombríos”. Así comienza el diario personal de Leopoldo Torres Balbás, el arquitecto que ocupó el cargo de conservador de La Alhambra de Granada desde 1923 a 1936 y al que se le debe, en buena medida, la salvación del monumento. El diario forma parte del archivo personal del arquitecto, que permanecía oculto en un sótano en la casa de su hijo, en Valencia, y que acaba de adquirir, junto a su biblioteca, el Patronato de La Alhambra y El Generalife. Torres Balbás (1888-1960), considerado un referente de los arquitectos conservadores españoles del siglo XX, vuelve así al lugar que tanto amó y al que no pudo regresar desde julio de 1936, cuando el alzamiento le sorprendió en Soria y fue destituido por los sublevados.

Los fondos documentales, valorados en 90.000 euros, incluyen su correspondencia, fotografías, postales, grabados, planos, dibujos y caricaturas, además de su diario personal, que comenzó a escribir el 6 de octubre de 1936 en la localidad soriana de Navaleno y que concluye en 1960, poco antes de su muerte. Sigue leyendo

América recupera su memoria salvaje

ROBERTO ARNAZ LOS ANGELES 27/07/2010

En Junio de 1937, la leyenda del fotógrafo estadounidense Ansel Adams (1902- 1984) comenzó a forjarse a fuego.

Un enorme incendio arrasó su estudio y destruyó toda la obra previa, más de 5.000 negativos que el entonces prometedor artista había tomado en el Parque Nacional de Yosemite y San Francisco. La memoria al natural del país. El legado se creía perdido hasta que hace una década Rick Norsigian, un pintor de brocha gorda en los colegios de Fresno (California), se fijó en una caja de madera llena de sobres de papel de color marrón y que había permanecido durante décadas olvidada en un garaje. Ávido cazador de objetos usados y antigüedades, Norsigian intuyó que aquellos sobres guardaban algo más que polvo, aunque ni siquiera imaginó la magnitud de su hallazgo.

Regateó los 70 dólares que pedía el vendedor y por 45 se llevó la mohosa caja a casa, donde descubrió que envueltos en papel de periódico había 60 placas de cristal nunca antes vistas. Por entonces no sabía que eran de Ansel Adams, el padre de la fotografía norteamericana. Sin querer, Norsigian tenía entre sus manos el mayor hallazgo fotográfico de los últimos años. Ayer, los expertos confirmaban la autoría de los negativos y un valor cercano a los 200 millones de dólares. Sigue leyendo

Los cómicos ya no andan

«Los que ríen los últimos» La Zaranda

JUAN BERZAL 27/07/20

Después de llevar meses escuchando que a pesar de la crisis aumentaba el número de espectadores de teatro, por fin los datos desmienten y muestran que en realidad el número ha descendido considerablemente. Sin embargo, este dato esconde algo que las pequeñas compañías sabemos desde hace dos años: lo más grave es el recorte del número de funciones. Los espectáculos que se montan siguen llenándose, el público demanda artes escénicas, pero las autoridades públicas contratan cada vez menos.

Las compañías tenemos dos maneras de acceder a la exhibición: por los teatros públicos o a través de la contratación por salas privadas a taquilla con reparto de la recaudación a repartir entre un número variable de cobradores, en los que están los gestoras de derecho, distribuidores, exhibidores, publicistas, productores, etc.

Las artes escénicas es un sector fuertemente intervenido por las instituciones públicas. Sin sus ayudas a la producción de giras cada vez más exiguas y sin la contratación para la exhibición de obras en teatros públicos, la inmensa mayoría de las compañías de este país desaparecería. Sigue leyendo

Un viaje a las raíces del silencio

'Please play, or the mother, the father or the family' ( 1989), escultura del compositor John Cage.

LÍDIA PENELO BARCELONA 20/07/2010

El silencio puede llegar a ser insoportable para los amantes de la incontinencia verbal. Si ese es el caso, No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (Acantilado) puede resultar una lectura de las que molestan. En este libro, el musicólogo y ensayista Ramón Andrés (Pamplona, 1955) ha compilado textos alrededor de “algo más que la interrupción del sonido” de veinte autores místicos, entre los que se encuentran Juan de la Cruz y Teresa de Jesús, pero también otros menos conocidos como Francisco de Osuna y Alonso de Orozco, a los que ha rescatado del olvido.

“Algunos fragmentos no tienen ni edición moderna. Los he sacado de las bibliotecas, siempre estoy en ellas buscando. Un autor te lleva a otro y así he encontrado libros del siglo XVI, que desde entonces a lo mejor se han abierto tres veces, y esto me gusta muchísimo”, detalla Andrés con la sonrisa serena que le caracteriza.

Cuenta que el pensamiento radical es lo que une a Miguel de Molinos, San Juan de la Cruz o Francisco de Osuna: “Estos místicos eran muy extremos y estaban muy mal vistos por la Inquisición y por la Iglesia, porque se les acusaba de protestantes. Eran pensadores que incomodaban, y en aquellos momentos de contrarreforma estaban apartados”. Sigue leyendo

El coche más rápido, con lápiz y papel

Webber baña en champaña a Newey en el podio de Silverstone.- AP

ORIOL PUIGDEMONT – Hockenheim – 24/07/2010

Dicen en la fórmula 1 que una de las personas que se han atrevido a meterle un bocinazo a un piloto tan vanidoso como David Coulthard ha sido Adrian Newey. Ambos coincidieron siete años en McLaren (1998-2004), cuando el ingeniero era el director técnico de la escudería británica. En una de las reuniones, Coulthard se quejó de lo mucho que vibraban los espejos del monoplaza, dijo que apenas veía nada, y pidió si era posible colocarlos en otro sitio. La respuesta de Newey le dejó planchado: “Señor Coulthard, en este equipo es más fácil cambiar al piloto que la posición de los retrovisores”.

Tras fichar por Red Bull a finales de 2005, este técnico británico solo ha precisado cinco años para conseguir que una marca de bebidas isotónicas saque los colores a equipos tan potentes como Ferrari, McLaren y Mercedes. Como cualquier genio, Newey tiene su propia metodología. En su caso se trata de una técnica que está en desuso.

Mientras la mayoría de ingenieros no se despega de sus potentes ordenadores, las armas de Newey son menos sofisticadas: una hoja de papel y un lápiz. Sigue leyendo

Cómo convertir un cerdo en un disco

"Antes tomaba 200 vuelos al año. Ahora solo a Japón, Rusia o Hong Kong", cuenta Matthew Herbert.- CARMEN SECANELLA

DANIEL VERDÚ 24/07/2010

Matthew Herbert, profeta de la música electrónica, ultima un álbum compuesto a partir de las grabaciones del ciclo vital de un marrano. Y acaba de remezclar la Sinfonía X de Mahler para Deutsche Grammophon

En algún lugar del sur de Londres un cerdo muerto espera en un frigorífico a que Matthew Herbert lo convierta en un disco. Las máquinas ya han capturado el sonido del ciclo vital de 24 semanas de la bestia: nacimiento, cría, conversión en salami. Solo queda que el próximo 17 de agosto, día (de 1945) en que se publicó la Rebelión en la granja de George Orwell, lo cocinen diez chefs y que el crujir de su piel tostadita y los jugos gástricos de los comensales se transformen en la materia prima última necesaria para cerrar su trilogía sonora. El álbum se llama One Pig y las protectoras de animales ya se le han echado encima (impidieron que grabase su sacrificio). “He tenido ciertos dilemas éticos con el asunto. Pero es curioso, porque en otro disco utilicé el sonido de palestinos a los que disparaban y nadie dijo nada. Supongo que es una muestra de cómo está estructurada la sociedad”. Sigue leyendo

La odisea secreta de Carl Jung

Ilustración de El Libro Rojo, de Carl Jung, publicado por Norton & Company.

ANDREA AGUILAR 24/07/2010

El misterioso manuscrito de El Libro Rojo, que el autor no quiso incluir en sus Obras completas, fue publicado el año pasado en Estados Unidos y en Alemania. Ahora está en marcha la edición facsímil en español de la “biblia del subconsciente”

El Libro Rojo ha sido un mito entre los entendidos, un secreto guardado bajo llave en la caja fuerte de un banco suizo hasta el pasado otoño. Su autor, Carl Jung (1875-1961), uno de los padres de la psicología moderna, pasó 16 años entregado a un proyecto “secreto” y paralelo a su trabajo como psiquiatra. Años después de haber planteado abiertamente sus divergencias con Freud, una crisis personal le llevó a emprender un viaje interior que plasmó con esmero en un gran volumen encuadernado en piel roja, el llamado Libro Rojo. En las primeras páginas de la misteriosa obra escribe: “En ese momento, el año 40 de mi vida, había alcanzado todo lo que un hombre puede desear en su vida”. Los honores, el conocimiento, la familia y el bienestar no eran suficiente. Jung decidió buscar su alma. “Tuve que aceptar que lo que había calificado previamente como mi alma era un sistema muerto”. Sigue leyendo

El vagabundo millonario

Sin título, obra de Jean-Michel Basquiat.

FIETTA JARQUE – Basilea – 21/07/2010

El mito describe a un chico negro de la calle, un vagabundo adolescente en el Nueva York sórdido de finales de los setenta y principio de los ochenta -cuando los yuppies se mudaron a los suburbios y las calles se volvieron peligrosas-, que hacía grafitis en las paredes del SoHo, empezó a pintar de manera autodidacta y fue descubierto por galeristas ávidos de sangre joven. Se hizo famoso, millonario, sucumbió a las drogas y murió a los 27 años de una sobredosis. Se convirtió en leyenda y su cotización siguió subiendo. Pero la vida y la obra de Jean-Michel Basquiat discurrió por otros derroteros que han quedado reducidos a la letra pequeña de su historia. Y son los que realmente lo hacen grande. Un artista de genio. Algo que puede comprobarse, en la retrospectiva que le dedica la Fundación Beyeler, en Basilea (Suiza), hasta el 5 de septiembre. Sigue leyendo

Besos, muerte y humillación

VEGAP / CDMH |Un miliciano sale hacia el frente de Aragón acompañado de su mujer e hijo, en Barcelona, el 25 de junio de 1936.

NATALIA JUNQUERA – Valladolid – 23/07/2010

Un beso de guerra, es decir, apasionado, en medio de un montón de gente y de ruido, y sabiendo que quizá sea la última vez. Dos cadáveres, los primeros en Barcelona, tirados en una plaza desierta que unas horas antes estaba abarrotada de gente. Una hilera de hombres agachados sobre unos cubos en los que hacen sus necesidades, que el director del campo de concentración en el que está vende luego como abono a un granjero.

Son algunas de las 100 fotos de la Colección particular de Agustí Centelles que se exponen desde hoy en Valladolid. Copias de los negativos originales que el fotoperiodista guardó en la buhardilla de una casa en Carcassonnne (Francia) hasta que murió Franco y supo que nadie impediría que salieran a la luz. Las preferidas de su autor. La parte del tesoro Centelles del que sus hijos no han podido desprenderse. “Cuando las toco, siento que me relaciono otra vez con mi padre. Es como si no lo hubiera perdido del todo”, explicaba ayer Sergi, su hijo mayor. El Ministerio de Cultura ha comprado los originales, estos y 8.000 más, por 700.000 euros para el centro de la Memoria Histórica de Salamanca. Sigue leyendo

Wally vuelve del exilio

Retrato de Wally, pintado por Egon Schiele en 1912 y propiedad del Museo Leopold de Viena.- APA/ AFP

JULIETA RUDICH – Viena – 22/07/2010

El cuadro de Egon Schiele Retrato de Wally regresa a Viena por 19 millones de dólares (14,9 millones de euros). Es la cantidad establecida en el acuerdo extrajudicial que pone fin a 12 años de litigio entre la Fundación Leopold de Viena y los herederos de la propietaria original del lienzo, según comunicó la Fiscalía de Manhattan. El retrato que el pintor expresionista austriaco Egon Schiele realizó en 1912 de su amante Valerie, Wally, se convirtió en 1998 en uno de los últimos protagonista de medio siglo de encubrimiento de la apropiación de obras de arte a cargo de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Ese año, durante una exposición itinerante de Schiele en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) organizada por el Museo Leopold de Viena, el óleo fue confiscado por la fiscalía neoyorquina. Dos familias judías que lo reclamaban como propio sostenían que había sido expropiado por los nazis a una antecesora suya, la galerista Lea Bondi Jaray, casi setenta años antes. El asunto no era sencillo porque se trataba de un caso sin precedentes y porque el expolio había ocurrido en la década de 1930 pero el propietario en esos momentos, el coleccionista Rudolf Leopold, considerado hoy el más importante de Austria, había adquirido la obra ya en la posguerra, en 1950. Sigue leyendo

Sueños a escala industrial

JESÚS URIARTE | El músico Gorka Alda, en el Chillida Lantoki, instalado en una antigua papelera de Legazpia (Guipúzcoa).

ISABEL LANDA – San Sebastián – 20/07/2010

Eduardo Chillida soñaba con volúmenes de hierro a gran escala que se materializaban en grandes forjas industriales. Procesos de creación en los que el escultor vasco se enfrentaba al material en estado puro en los hornos de Patricio Echeverría, en Legazpia (Guipúzcoa). La necesidad de llegar a la obra pública le llevó al artista a buscar una nueva forma de trabajo para la creación de piezas a gran escala. En ese camino, Chillida fraguó una íntima relación con la industria del hierro a golpe de fuego y sudor, que en muchos casos se convertía en procesos de trabajos titánicos de tres y cuatro meses para realizar una obra. Los operarios le seguían como quien sigue a un director de orquesta.

Chillida Lantoki, que se inaugura mañana en una antigua papelera de Legazpia, es un espacio que recoge tanto la dimensión humana de la obra de Chillida a gran escala como su contacto con la gente que colaboró con él. Sigue leyendo

Prestigios florentinos

Retrato de Giovanna Tornabuoni pintado por Domenico Ghirlandaio

RAFAEL ARGULLOL 19/07/2010

Disfrutando de la exposición del Museo Thyssen en torno al retrato de Giovanna Tornabuoni pintado por Domenico Ghirlandaio no tuve más remedio que pensar, una vez más, en el enigma creativo de la Florencia del Renacimiento. Dicho de otro modo: tras la silueta perfecta de Giovanna, más allá de su cuello largo y refinado, se escondía un extraño mundo lleno de violencia que había albergado la mayor concentración de talentos artísticos de la Historia. ¿Cómo podía haber sucedido esto en una ciudad relativamente pequeña, diezmada por la peste negra y sometida a una implacable guerra de clanes de la que ya había dado testimonio Dante en La divina comedia?

Recuerdo que esta pregunta me fascinaba ya hace mucho tiempo cuando, como estudiante, me planté en Florencia para realizar una tesis doctoral que nunca llegaría a su fin. La primera vez que uno va a Florencia se da cuenta de que lo que allí hay supera con mucho lo que hubiera podido imaginar. Sigue leyendo

Poética de la mirada

COLECCIÓN PRIVADA / ESTATE OF HELEN LEVITT | Nueva York, ca. 1942, de Helen Levitt.

ANTONIO MUÑOZ MOLINA 17/07/2010

I am a camera”, dice Christopher Isherwood al principio de su Goodbye to Berlin: soy una cámara, una mirada y no una conciencia, soy una pura voluntad de observar y dejar testimonio de lo que el azar me va poniendo por delante. En el caso de Isherwood, un patio interior en una casa de vecinos, en un barrio popular de Berlín en 1930. La mirada reducida a la condición de lente fotográfica ve en una ventana un hombre que se afeita y en la otra una mujer con un kimono lavándose el pelo. Si en vez de un escritor hubiera sido un fotógrafo, Isherwood nos habría legado el retrato de esa mujer anónima y tal vez atractiva tomado furtivamente con una Leica, el del hombre ensimismado en la operación de afeitarse, la liturgia inmovilizada del cuenco de agua caliente con jabón y la cara en el espejo, la navaja detenida en el aire o habiendo despejado ya un espacio de piel limpia y lisa contra el blanco de la espuma. Decir “soy una cámara” en 1930 era declarar un propósito literario y estar al tanto de un avance técnico: gracias a la novedad de la pequeña Leica, inventada en 1925, la fotografía podía convertirse en un arte ambulante y liviano, libre de trípodes aparatosos y lentos mecanismos, un solo gesto veloz que atrapaba algo en un instante sin ser advertido, visto y no visto. Sigue leyendo

Muere Harvey Pekar, antihéroe del cómic underground

Harvey Pekar y su personaje en ’American Splendor’

OSKAR L. BELATEGUI 14-07-2010

«Me gusta pensar que mis lectores son adultos, gente de izquierdas desde un punto de vista filosófico y político», declaraba Harvey Pekar a EL CORREO en 2005, cuando ‘American Splendor’ llegaba a los cines después de triunfar en Sundance. El genial actor Paul Giamatti (el chalado por el vino de ‘Entre copas’) encarnaba en la cinta al propio Pekar, que en sus historietas se había limitado a contar sus cuitas existenciales. En lugar de aventuras de superhéroes, el diario de un ‘neuras’ con una aburrida vida como archivista en un hospital. Pekar ponía los textos y Robert Crumb los dibujos en un título esencial del cómic underground. Sigue leyendo

El fotógrafo que quería ser artista

Foto Tomás de Acillona

EVA LARRAURI – Bilbao – 03/07/2010

Tomás de Acillona (Getxo, 1893-Biarritz, 1957), estudió Derecho en la Universidad de Deusto y se dedicó a los negocios. En el desván de su casa de Algorta instaló un laboratorio de fotografía en el que disfrutaba de su afición a experimentar con complejas técnicas de revelado. Acillona buscaba con sus fotografías algo más que documentar su entorno; en línea con el pictorialismo en boga en las primeras décadas del siglo XX, estaba más preocupado por conseguir imágenes con valor artístico. Consiguió exponer sus trabajos en varios salones fotográficos internacionales, pero nunca vendió una obra. Tras su muerte, la obra fotográfica de Acillona cayó en el olvido. El Museo de Bellas Artes de Bilbao recupera ahora las imágenes custodiadas por la familia del fotógrafo con una exposición de 45 obras, fechadas entre 1932 y 1957. Sigue leyendo

Turner o la impostura

Snow Storm-Steam-Boat off a Harbour's Mouth. JMW Turner. 1842. Óleo sobre lienzo.

VICENTE VERDÚ

No es precisamente hermosa o jovial la exposición Turner y los maestros que se expone actualmente en el Museo del Prado. Oscura, tenebrosa, abrumadora, desasosegante, el recorrido va conduciendo por una de esas muestras que, si también atraen al turista, no lo retribuyen ni con el azúcar a granel de Sorolla ni con las aromáticas violetas de Monet. Aquí, con Turner, se trata de un paisaje como de ultratumba que traspasa grandes escenarios tan brumosos que podrían haber nacido todos en la laguna Estigia. Inquietud y malestar entre una luz que, en su mayoría, es palmatoria, mortecinos o enfermos los focos que bañan el cuadro.

Y no solamente se trata de la luminotecnia interior, sangrante y ayuna, sino que Turner (1775-1851) es por sí un autor que, si se exceptúan sus acuarelas, parece volver mísera y rancia aún la más bella influencia del pretérito. Sigue leyendo

Víctor de la Fuente, la perfección del dibujante

EFE | Víctor de la Fuente, en una imagen de archivo, firma ejemplares de uno de sus primeros éxitos, Sunday.

ÁLVARO PONS

El fallecimiento de Víctor de la Fuente (Ardisana de Llanes, 1927-París, 2010) supone la desaparición de uno de los dibujantes más importantes de la historia del cómic español, que será recordado por su impresionante capacidad y la perfección de su dibujo, y por ser uno de los mejores dibujantes de estilo naturalista que ha tenido el cómic mundial.

Su vinculación al mundo de la historieta fue precoz: en 1944, con apenas 17 años, comienza ya a trabajar para el estudio del dibujante Adolfo López Rubio, donde publica historietas (casi siempre de forma anónima) para revistas de la época como Maravillas o Flechas y Pelayos, y comienza una formación profesional que pronto se truncaría al tomar el camino del exilio. Sigue leyendo

¿A quién le importa ser una Gran Maestra?

Foto de Ilse Bing

ESTRELLA DE DIEGO

Aún recuerdo aquellas visitas al Prado, a ese antiguo Prado de sol áspero rozando casi los cuadros; el museo de la infancia donde los lienzos enormes llenaban las estancias y los pasillos anchos. Y, en algún punto del recorrido, un cuarto modesto, el de los bodegones, con unas obras ante las cuales me hubiera pasado la vida entera. Eran pequeñas y hablaban de cosas de todos los días, pasteles, flores y frutas sobre recipientes exquisitos, a mitad de camino entre mercado y deseo. Se pasaba casi de largo por allí, habitaciones traseras de la pintura flamenca. ¡Quién pudiera soltarse de la mano, despistar al maestro y quedarse!

Regresaría mucho después al mismo lugar -pienso de pronto que durante años el Prado cambió poco- para ver los cuadros con ojos diferentes. Clara Peeters, se leía en el rótulo, una de las pocas mujeres artistas con las que el visitante se encuentra en el recorrido del Prado, relegada por la Historia durante siglos al cuarto de atrás, a la sala de las naturalezas muertas. Sigue leyendo

“Hay otros ‘velázquez’ por descubrir”

Inedito de Velazquez

El lienzo inédito atribuido a Velázquez La educación de la Virgen. John Marciari.- EFE

ÁNGELES GARCÍA

La noticia del descubrimiento de una obra inédita de Diego Velázquez, La educación de la Virgen, en los sótanos del museo de la Universidad de Yale, fue recibida ayer en el mundo del arte con tantas dosis de indisimulada satisfacción como de irremediable cautela. La sensación generalizada tras recabar la opinión de los expertos es que, a simple vista, nadie duda de la autoría del genio sevillano. Pero, en general, las autoridades en la obra del autor de Las meninas piden paciencia hasta conocer las opiniones de la internacional de expertos que, en los próximos días, intentarán contemplar el cuadro con sus propios ojos.

Y no solo no existen casi dudas acerca de la autoría de La educación…, sino que una autoridad indiscutible en este terreno como Jonathan Brown, está convencido de que hay más obras inéditas de Velázquez aún por descubrir. “Así lo indican las fuentes históricas en las que se habla de cuadros que hoy en día se desconocen”. Sigue leyendo

“Debes sorprender a la gente, haz algo diferente siempre. Pon pasión”

GREGORIO BELINCHÓN – Madrid – 30/06/2010

A sus 79 años, George Lois (Nueva York, 1931) juega todos los fines de semana al baloncesto. “Mira, jugué el sábado, cogí el avión para venir aquí [por Madrid] el domingo, el jueves vuelvo y el sábado mis compañeros ni se habrán dado cuenta de que he estado en Europa. Mi mujer les cuenta a nuestros amigos que sí, que juego los fines de semana y no contra gente de mi edad, no. ¡Contra veinteañeros! Para mí el baloncesto es una religión”. Lois se echa a reír. En realidad, se parte. Es grande, parlanchín y amante de todo tipo de confesiones. Y tiene muchas, porque Lois es un mito de la publicidad y del diseño. Él estaba detrás de las campañas que lanzaron las cadenas MTV (suyo es el lema I want my MTV) y VH1; relanzó la imagen del USA Today; creó el concepto comida congelada de gourmet; se hizo cargo de los primeros anuncios de Tommy Hilfiger; ha dirigido un solo vídeo musical, pero qué vídeo: Jokerman, de Bob Dylan; estuvo en cuatro campañas políticas de senadores, entre ellos Robert F. Kennedy…

Y aún no hemos llegado a Esquire. En 1962, Lois, a sus 31 años, el rey de la publicidad en Nueva York, la capital del mundo, lo dejó todo y se fue de director de arte a una pequeña revista, Esquire. Sigue leyendo