Archive for the ‘ Pintura ’ Category

Picasso y Degas, cita en Barcelona

Bailarina de Degas y pintura de Picasso

CARLES RIBAS | Joven bailarina de 14 años, de Degas, y Desnudo amarillo, de Picasso.

J. M. MARTÍ FONT – Barcelona – 15/10/2010

A ambos les gustaban las mujeres pero a Pablo Ruiz Picasso (1881- 1973) le gustaba el sexo y lo practicaba sin complejos, mientras que Edgar Degas (1834-1917) fue sobre todo un voyeur atormentado, siempre rodeado de mujeres pero con fama de célibe. Pertenecían a dos generaciones distintas. Cuando Picasso llega a París por primera vez en 1900, Degas es uno de los referentes del impresionismo, cuyo mejor momento parece ya haber pasado.

Conocida es la pasión del malagueño por los grandes maestros; por los clásicos del pasado y por los que llegó a conocer. Pero entre la cantidad de trabajo académico sobre su obra, no había casi nada de su pasión por Degas. Fue una institución del prestigio del Sterling & Francine Clark Art Institute de Williamstown (EE UU) la que se atrevió a proponer una muestra sobre ello. Hace cinco años se pusieron en contacto con el Museo Picasso de Barcelona para pedir obras prestadas para la muestra. La respuesta fue: lo que ustedes quieran, pero lo haremos conjuntamente. Seguir leyendo

Entender al primer Velázquez

'La educación de la Virgen' de Velázquez

La educación de la Virgen permaneció en un almacén de Yale durante décadas.-

BENITO NAVARRETE PRIETO 18/10/2010 

Asesor científico del Centro de Investigación Diego Velázquez de Sevilla y profesor titular de la Universidad de Alcalá de Henares.

Razones de índole personal me habían imposibilitado ver La educación de la Virgen directamente hasta ahora, aunque me atraía profundamente desde que vi el cuadro en una fotografía en 2005. Un reciente viaje -y la amabilidad de Laurence Kanter, con el que he podido estudiar la pintura- ha apartado cualquier duda que pudiera haber en mi cabeza.

Para dar un juicio definitivo el análisis directo es fundamental. Se trata de un cuadro monumental desde la distancia, que no deja indiferente. Necesita su tiempo para ser estudiado en su conjunto y en los detalles y muestra con notoriedad las heridas del tiempo. Cualquier análisis de la pintura ha de tener en cuenta que ha sufrido y que conserva huellas de un pasado de cambios y traslados. Pero lo más importante es que se puede salvar si se hace con conocimiento y experiencia. Ahí está el ejemplo de la restauración que hizo el Prado de La imposición de la casulla de San Ildefonso, que en algunas partes estaba incluso peor que el de Yale.

Es evidente que La educación de la Virgen fue arrancada violentamente de su enclave original, cualquiera que fuese, y que ha sufrido alteraciones de su formato. Incluso se percibe que ha estado doblada y que ha perdido materia pictórica en amplias zonas, sobre todo en las inferiores, que afectan especialmente al perro y al gato. Seguir leyendo

Un visitante daña con una navaja un cuadro expuesto en el Guggenheim

Óleo sobre lienzo "Booz recibe la herencia de Elimelec", del holandés Jan Victors (1619-1676), que actualmente se exhibe en el Museo Guggenheim Bilbao.

Óleo sobre lienzo "Booz recibe la herencia de Elimelec", del holandés Jan Victors (1619-1676), que actualmente se exhibe en el Museo Guggenheim Bilbao.

EVA LARRAURI – Bilbao – 22/10/2010

Uno de los cuadros incluidos en la exposición de pintura del siglo XVII del Museo Städel, de Francfort, que presenta el Guggenheim fue dañado ayer por la agresión de un visitante. La obra Booz recibe la herencia de Elimelec, de Jan Victors, sufrió una incisión de tres centímetros y seis rasguños en la capa de pintura al ser atacado con una navaja de pequeñas dimensiones por un joven que se identificó como «estudiante de Bellas Artes». Los restauradores del Guggenheim consideran que el daño es «menor y reparable» y que tras el tratamiento «no será visible».

El agresor fue reducido por los servicios de seguridad del museo y detenido posteriormente por la Ertzaintza. En el momento en el que fue inmovilizado se encontraba alterado y profería frases inconexas, según relataron los testigos. El museo interpuso una denuncia por los hechos.

La obra dañada estaba expuesta en la tercera planta del museo, colgada en el murete situado frente al acceso a la sala 302. El agresor llegó a ese punto del museo sobre las 11.17 horas. Una portavoz del Guggenheim relató que el visitante llamó la atención de la vigilante de sala al traspasar la línea de separación de los cuadros expuestos. Cuando se dirigió hacía él para advertirle que se alejara, levantó el puño en el que ocultaba el arma para atentar contra el cuadro. Las cámaras de seguridad registraron como la vigilante consigue agarrarle, aunque no pudo evitar una incisión. Los rasguños en la pintura se produjeron en el forcejeo que mantuvo con el agresor antes de inmovilizarle.

© EDICIONES EL PAÍS S.L.

El origen de Venecia como postal

Entrada al Gran Canal, vista Este, junto a la basílica Santa Maria della Salute, pintado por Canaletto en 1744.

Entrada al Gran Canal, vista Este, junto a la basílica Santa Maria della Salute, pintado por Canaletto en 1744.

CONXA RODRÍGUEZ Londres 13/10/2010

El pintor italiano Giovani Antonio Canal (1697-1768), conocido como Canaletto, se mosqueaba con facilidad con sus colegas contemporáneos. Quería ser el mejor y el más cotizado, y lo consiguió. El pique artístico y personal que protagonizó con algunos de sus rivales es ahora el hilo conductor de una exposición que reúne 55 obras de arte en la National Gallery de Londres. La muestra viajará después, en febrero del 2011, a la National Gallery of Art de Washington.

Canaletto aprendió a pintar en Venecia escenas teatrales con su padre; le quedó para siempre el sentido del lienzo como un escenario en el que se desarrolla alguna actividad y en el que ocurren cosas. En su caso, fue maestro también de las escenas arquitectónicas y de las perspectivas para paisajes urbanos entre cielos y canales o calles.

Dawson Carr, comisario de la exposición Venice: Canaletto and his rivals (Venecia: Canaletto y sus rivales) cuenta que «los venecianos no compraban las obras de Canaletto porque ya veían Venecia tal como era cuando salían a la calle, así que él encontró un mercado fuera de Venecia para sus cuadros. Los ingleses, a través deJoseph Smith, que después sería cónsul en Italia, eran los clientes más fervorosos del pintor. Este se fue primero a Roma y después viajó hasta Inglaterra a sondear de cerca el mercado en el que gustaban sus trabajos». Seguir leyendo

Sin novedad desde el Renacimiento

 

JORGE WAGENSBERG 07/10/2010

Físico y museógrafo, y acaba de publicar Las raíces triviales de lo fundamental (Tusquets).

Se puede hablar del lenguaje de la ciencia, de la tecnología, de la música, de la escultura, de la museografía… aunque ninguno de estos lenguajes es, por cierto, la particular jerga con la que se entienden científicos, músicos, escultores o museógrafos… Es la idea de Walter Benjamin. Hay lenguajes que viven dentro de otros: dentro del lenguaje de la música se puede hablar del lenguaje romántico o del barroco y, dentro del lenguaje barroco se puede hablar del lenguaje de Bach o del de Pergolesi… Un mirlo distingue otro mirlo de cualquier otro pájaro por su lenguaje, pero tampoco se le escapa que tal otro mirlo tiene un acento que «no es de por aquí»… Un museo que opta por la pieza original como la palabra museográfica emplea un lenguaje muy diferente a otro que se entrega a la réplica o al lenguaje propio de los multimedia.

Los lenguajes, con sus palabras y con sus reglas para combinar palabras, se usan para adquirir y transmitir conocimiento, es decir, sirven para contar historias.

Pero todo cambia con el uso, también el lenguaje. A veces, una historia requiere la invención de una palabra y así crece el diccionario y se mueve la gramática entera. Hablemos por ejemplo de dinosaurios. Una de sus grandes aportaciones a la evolución fue sin duda la pelvis. Los andares de un cocodrilo todavía se expresan en rancio lenguaje prepélvico. La locomoción del cocodrilo en tierra es imperfecta porque no puede mover una pata sin que se resienta el resto del cuerpo. Seguir leyendo

«En Italia se prefiere el debate a la solución»

 

La Nona Ora (1999) / Maurizio Cattelan

 

LUCIA MAGI 25/09/2010

El artista contemporáneo italiano más famoso presenta en Milán una «retrospectiva» de solo tres piezas. Resignado a que la censura en su país vete gran parte de sus obras más polémicas, se consuela con la antológica que se le prepara en EE UU

Al principio, bombo y platillo. Luego, criba y tijeras. La Junta de derechas que administra Milán se reunió tres veces para evaluar la conveniencia de promover el evento. Fue necesaria la bendición de la curia y el permiso del consejero delegado de la Bolsa. Es atormentada la historia de la exposición que la capital italiana del arte de vanguardia dedica a su artista más popular y cotizado, Maurizio Cattelan (Padua, 1960). Tras la censura municipal, la idea inicial, la de una retrospectiva con una decena de obras, se ha quedado en la exhibición -abierta al público en horario reducido- de tres piezas, más una escultura colgante que representa una mano con todos los dedos mutilados, salvo el medio, que va a estar situada frente a la Bolsa durante solo 10 días. Los carteles que anunciaban la apertura de la exposición, con su Hitler arrodillado como rezando, fueron bloqueados por el Ayuntamiento. En las calles y en la web del Palazzo Reale que la acoge no hay ni rastro de la exposición. Mientras, el Guggenheim de Nueva York está preparando para 2011 una importante retrospectiva de la superestrella italiana y una obra suya fue subastada por ocho millones de dólares. Él parece casi resignado a despertar polémicas en su ciudad adoptiva: en 2004 ahorcó de un árbol unos maniquíes-niños indignando a muchos ciudadanos e instituciones, que tampoco habían apreciado cuando diez años antes había llevado a París y Londres los escombros del Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán volado en un atentado mafioso que mató a cinco personas, comentando que exportaba lo mejorcito de su país. Esta vez las medidas fueron preventivas y tomadas directamente por el Ayuntamiento. «Había discrepancia entre lo que querían y el presupuesto del que disponían. Eliminaron las obras consideradas incómodas y, al cabo de tres aplazamientos, llegamos a un acuerdo», afirma en una entrevista por correo electrónico.

PREGUNTA. No era solo cuestión de presupuesto, entonces…

RESPUESTA. En Italia existe un gusto innato por la polémica, se suele preferir el debate a la solución. Si asumimos esta actitud en justas dosis, puede ser aceptable. Es como con el huevo de Pascua: lo compras por la sorpresa que lleva dentro, pero al final lo que disfrutas es el chocolate. Seguir leyendo

La seducción de una luz fácil de entender

Claude Monet posa junto a una obra de su serie Ninfas'.

Claude Monet posa junto a una obra de su serie Ninfas'.

PEIO H. RIAÑO MADRID 27/09/2010
La semana pasada fue Monet; esta, Gauguin; en breve, los jardines en los que se retiraban a pintar y, al poco, Renoir. La pasada temporada estuvieron en la Fundación Mapfre (Impresionismo. El nuevo Renacimiento), en El Prado (Sorolla) y en el Museo Thyssen (Matisse), y fueron las exposiciones más vistas del año. El impresionismo es la única moda que se repite anualmente, un fenómeno eterno para el que siempre hay una nueva mirada con la que montar una exposición que bata un nuevo récord y alegre las cifras de cualquier museo.

«Todo se puede banalizar, es cierto, pero la pintura impresionista como objeto de estudio y exposición es inagotable. Otra cosa es que se piense que la mayor virtud de un artista radica en desbordar cifras de visitantes o en que lleve su nombre un aeropuerto», asegura convencido Javier Arnaldo, conservador para investigación y extensión educativa del Museo Thyssen-Bornemisza.

El movimiento que puso punto final a la pintura de academia y arrancó los primeros gestos de la modernidad, que se fijó en temas mundanos y se olvidó de la pompa del retrato de salón, que se preocupó por el reflejo inmediato de la realidad más alegre, que convierte a la naturaleza en la gran protagonista de sus temas, que rechaza la mitología y se recrea en el pequeño instante de los efectos atmosféricos ese movimiento ha terminado por comerse al resto entre el gusto del gran público. Seguir leyendo

Gauguin: los paraísos perdidos de un provocador

'La visión después del sermón' (1888).

'La visión después del sermón' (1888).

CONXA RODRÍGUEZ LONDRES 27/09/2010

Todo en el paisaje me deslumbra y me ciega», escribe el pintor Paul Gauguin (1848-1903) en una de las cartas que se exhibirán en la exposición del museo Tate Modern de Londres entre el 30 de septiembre y el 16 de enero. Cuando escribió estas líneas, el pintor parisino llevaba varios meses encandilado en Tahití, su tercer intento, tras Martinica y Panamá, de encontrar lo primitivo e indígena de la raza humana, lejos de la civilización Occidental. Gauguin se pasó media vida buscando el paraíso perdido que, al final, sólo existía en su imaginación y en sus obras.

La muestra del museo Tate Modern, Gauguin: Maker of Myth (Gauguin, forjador de mitos) incluye 63 pinturas, 18 esculturas y cerámicas, 69 cartas manuscritas, acuarelas, dibujos y objetos variopintos como los zuecos de madera que él talló y usó como calzado. En total, 150 piezas recorrerán la vida de este trotamundos que empezó a pintar con la frescura de la técnica impresionista, recreando escenas con pequeños pinceles y colores puros y naturales para captar el ambiente emocional más que la meteorología de la vida a su alrededor. Gauguin, con Paul Cézanne y Vincent Van Gogh, fue uno de los artistas rebeldes que se liberaron con el impresionismo y pasó pronto al simbolismo, a su estilo personal sintético y al posimpresionismo.

Belinda Thomson, comisaria de la muestra, explica que «Gauguin es un artista de difícil clasificación porque se mueve entre varios estilos, utilizándolos e incluso burlándose de ellos, exceptuando el posimpresionismo, porque este estilo no surgió hasta 1910». Por entonces, el pintor nacido en París y residente en Perú durante su infancia llevaba muerto siete años. Seguir leyendo

«No llamemos arte al arte contemporáneo»

CARLES RIBAS | El ensayista francés Marc Fumaroli, en Barcelona.

J. M. MARTÍ FONT – Barcelona – 28/09/2010

La historia no tiene un sentido determinado y el arte contemporáneo no merece ser llamado arte. Marc Fumaroli (Marsella, 1932) ha estado en Barcelona para presentar París-Nueva York- París. Viaje al mundo de las artes y de las imágenes (Acantilado), «un panfleto erudito», en palabras de su editor, en el que vuelve al eterno debate entre los antiguos y los modernos.Pregunta. ¿Es usted reaccionario?

Respuesta. ¿Reaccionario? Es verdad que me gusta mucho reaccionar y las gentes que reaccionan están muy vivas. Lo tomo en el sentido exacto del término. No creo que la historia tenga un sentido ni que tengamos que inclinarnos ante el sentido de la historia. La gente que me interesa son aquellos que van contracorriente. He conocido la época en la que todo el mundo marchaba en el sentido de la historia, que no era otro que el que se marcaba desde Moscú. Me hace feliz estar contracorriente e incluso ser muy reaccionario. Cierto, ahora hay que reaccionar contra otras cosas distintas a las del momento en el que la URSS era considerada en Francia como la promesa del futuro de la humanidad.

P. Hay quien dice que Francia es un país soviético que ha tenido éxito.

R. O que Francia es el último país del Este, sí, pero no hay que tomárselo en serio. Lo que sí es cierto es que nuestra modernidad es nuestro Estado, lo que desde el punto de vista anglosajón es una cosa extraña, pero ahora lo hemos sustituido por la sumisión servil a una imagen falsa que Europa se hace de Estados Unidos. Seguir leyendo

Los museos brillan con arte privado

Obra de Edward Hopper

Domingo, de Edward Hopper.

ÁNGELES GARCÍA – Madrid – 04/10/2010

Las exposiciones temporales sirven para atraer visitantes a los museos y para hacer funcionar sus cajas registradoras. El modelo básico consiste en buscar un artista o un movimiento y, a partir de las colecciones del propio museo, enriquecerlo con préstamos de otros centros o de colecciones privadas; un sistema tan laborioso como costoso. La drástica disminución de presupuestos de los museos ha provocado que sus responsables busquen nuevas recetas mucho más baratas.

La temporada que acaba de comenzar está llena de ejemplos. La más espectacular se verá desde el próximo miércoles en la Fundación Mapfre. Se trata de Made in USA, arte americano de The Phillips Collection de Washington, en la que 91 obras de 63 artistas detallan la esencia del arte estadounidense durante un siglo, desde Hopper a Georgia O’Keeffe, Pollock, Motherwell o Rothko. Seguir leyendo

Cuando el arte se hizo burgués

Retrato. 'El geógrafo'. Jan Vermeer, 1669. El científico con sus instrumentos a la búsqueda de la verdad. Los mapas fueron muy importantes para los holandeses por el comercio marítimo.

IÑAKI ESTEBAN 7/10/2010

i.esteban@diario-elcorreo.com

En dos cuadros expuestos desde ayer en el Guggenheim Bilbao se puede resumir el ambiente revolucionario que, en el siglo XVII, posibilitó la edad de oro de la pintura holandesa y flamenca. En uno de ellos aparece una iglesia protestante sin cuadros ni esculturas, sin imágenes dramáticas, reflejo de una espiritualidad centrada en la conciencia más que en los gestos y ritos. En el otro, la Bolsa de Amsterdam, a cuya salida esperaban los pintores el encargo de los comerciantes, generosos si los negocios les habían ido bien.

Como los templos ya no necesitaban pinturas y la aristocracia estaba de capa caída, los artistas se vieron en manos de los primeros capitalistas, burgueses con buenas casas y deseos de decorarlas a su gusto. Entre todos ellos, civiles sin uniformes y dependientes de su trabajo, dieron forma a una nueva época, la modernidad.

En una de las mejores exposiciones de sus trece años de vida, el Guggenheim muestra los logros de esos pintores convertidos en ‘autónomos’, en profesionales libres que protagonizaron una era gloriosa para el arte a través de paisajes y retratos, de bodegones, de estampas de contenido histórico y bíblico. Las 130 obras proceden del museo Städel de Fráncfort, gracias a una oportunidad única: las obras para la ampliación de la pinacoteca alemana. «Si no hubiera sido por ellas, muchos cuadros de los que se ven aquí no habrían salido de sus salas», confesó el director del centro artístico, Max Hollein. Seguir leyendo

Lazkano mira al Bellas Artes

Lazkano mira al Bellas Artes

EFE | Jesús Mari Lazkano, ayer, ante el cuadro Toscana en Nueva York en la exposición del Museo de Bellas Artes.

EVA LARRAURI – Bilbao – 04/10/2010

El Museo de Bellas Artes de Bilbao, sus obras, su arquitectura y el parque que lo rodea han sido la inspiración del pintor Jesús Mari Lazkano (Bergara, 1960) para el núcleo central de la exposición que desde hoy muestra en sus salas. La pinacoteca ha estado presente en toda la vida de Lazkano. Conoció sus salas de niño, empezó a descubrir sus obras con el ímpetu del alumno de Bellas Artes y ha seguido disfrutando del trabajo de los maestros presentes en la colección. Ahora muestra los reflejos del museo en una veintena de las más de 80 pinturas que forman Lazkano. De la arquitectura a la naturaleza.

En las pinturas del autor guipuzcoano, las más recientes de la exposición, realizadas el año pasado, se reconocen las cristaleras que llenan de luz los espacios de la pinacoteca y sus escaleras de mármol, aparece la musa de Arriaga de la fuente exterior, el cielo de nubes encendidas de Jugando a los bolos en San Bartolomé, de Ucelay; las sillas metálicas de la cafetería o el célebre modelo Toledo, de Jorge Pensi. Y de fondo, los árboles del parque, mezclados con paisajes que el autor ha rescatado de su memoria. Seguir leyendo

Dalí y Lorca en el corazón de las vanguardias

"Putrefacto" es calificativo crítico y despectivo contra los tradicionalistas y académicos.

PEIO H. RIAÑO MADRID 23/09/2010

«¿Qué haces? ¿Trabajas? No dejes de escribirme, tú, el único hombre interesante que he conocido. […] Recuerdos a los tuyos y tú un gran abrazo de tu Dalí». En 1925 Dalí todavía trataba con cuidado sus formas cuando escribía a Lorca. Se habían conocido a principios de 1923 en la Residencia de Estudiantes y compartían experiencias artísticas por carta.

«Tu poesía cae de lleno dentro de la tradicional, en ella advierto la sustancia poética más gorda que ha existido [] Tu poesía está ligada de pies y brazos a la poesía vieja. Tú quizá creerás atrevidas ciertas imágenes, o encontrarás una dosis crecida de irracionalidad en tus cosas, pero yo puedo decirte que tu poesía se mueve dentro de la ilustración de los lugares comunes», escribe cruel el pintor al poeta en 1928.

Apenas han pasado cinco años y todo se ha venido abajo. La amistad, la complicidad y el intercambio de ideas ha tocado fondo. La amistad entre Salvador Dalí y Federico García Lorca es tan irreconciliable como sus propuestas artísticas. Seguir leyendo

El arte de Hopper tiene precio

El retrato que Andy Warhol hizo a Denni Hopper en 1971 también sale a subasta.

DAVID ALANDETE – Washington – 23/09/2010

Dennis Hopper, fallecido en mayo a los 74 años, no solo era un reconocido actor. Era también un consumado y meticuloso coleccionista de arte. La galería neoyorquina de la casa Christie’s ha anunciado que pondrá a la venta buena parte de la colección que atesoraba en dos subastas públicas, programadas para noviembre y enero, y con las que espera recaudar unos 10 millones de euros.

No compraba grandes nombres, sino grandes promesas. Así, Hopper acudió a la primera exposición de un relativamente desconocido Andy Warhol en Los Ángeles y adquirió una de las primeras serigrafías sobre lienzo de las latas de sopa Campbell, de 1962, por 75 dólares de la época. Ambos artistas desarrollaron una amistad que se consumó con la creación de otro icono artístico de la cultura pop: el retrato de un joven Hopper con sombrero vaquero, de 1971, que se venderá, espera Christie’s, por 900.000 euros. Seguir leyendo

Milagro en el Prado

El vino de la fiesta de San Martín, la pintura de Pieter Bruegel El Viejo descubierta por el Museo del Prado

PEIO H. RIAÑO Madrid 23/09/2010

El Museo del Prado se llenó ayer de borrachos y ciegos. Los primeros de alegría, los otros por deslumbramiento. La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el director del Museo, Miguel Zugaza, y los patronos de la institución desvelaban con la mayor de las sonrisas el secreto que llevaba guardado en los talleres de restauración del Prado desde el pasado mes de abril: un delicado cuadro de la escuela flamenca, de casi tres metros de ancho, pintado sobre una fina tela sarga, en la que casi un centenar de personajes invidentes y ebrios luchan por el caldo de la felicidad que brota de un enorme tonel.

La sonrisa se hizo gigante al anunciar que Pieter Bruegel el Viejo (1530-1569) era el autor de esta obra perdida hasta el momento. Sólo se conocían 40 pinturas autógrafas de la figura capital de la pintura flamenca del siglo XVI; esta, titulada El vino en la fiesta de San Martín, hace el número 41 desde ayer. La autoría fue atribuida por el Museo «tras varios meses de estudio y restauración», en los que se invitó a confirmar la firma a especialistas internacionales en el autor, como Manfred Sellink, director del Museo de Brujas y responsable de la última revisión del catálogo del autor. Seguir leyendo

Un Corot en el vestuario

'Retrato de una joven', de Corot.

'Retrato de una joven', de Corot.

ISABEL PIQUER NUEVA YORK 16/09/2010

Estuvo todo el tiempo en el vestuario del portero de un lujoso edificio de la Quinta Avenida. Retrato de una joven, el cuadro del pintor francés Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875) que desapareció en Nueva York a finales de julio, reapareció el pasado domingo en una comisaría de Manhattan debajo del brazo del portero, Franklin Puentes, que se disculpó por haber mantenido en secreto el paradero de la obra, pensando que quizás se le había perdido al inquilino de uno de los apartamentos.

Puentes contó que el 29 de julio se encontró el pequeño cuadro —valorado entre 500.000 a 700.000 dólares— en unos arbustos cerca del edificio donde trabaja y decidió «guardarlo» para buscar a su dueño. No lo pudo averiguar y se fue tres semanas de vacaciones a Florida olvidándose de todo el asunto. Seguir leyendo

El ‘último’ Sánchez Cotán

'Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas'

'Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas' /'ARS MAGAZINE' |

ÁNGELES GARCÍA – Madrid – 16/09/2010

El paradero de la obra del maestro Juan Sánchez Cotán (Orgaz, 1560 – Granada, 1627) ha perdido un eslabón en su halo de misterio. El pintor toledano que convirtió el bodegón en todo un género ejecutó un total de nueve naturalezas muertas. De ellas, solo seis estaban localizadas y catalogadas. La séptima, Bodegón con flores, hortalizas y un cesto de cerezas, acaba de ser identificada; pertenece a los David-Weill, una acaudalada familia de banqueros franceses cuya matriarca, Eliane David-Weill, legó la pintura a sus hijos hace dos años. El cuadro se encuentra ahora mismo en las dependencias de una galería de arte madrileña, Caylus.Sánchez Cotán fue el primero en otorgar a sus bodegones la categoría de género pictórico. Sus frutas y verduras impregnadas de metafísica le consagraron en vida y le convirtieron después en verdadero artista de culto. Gracias al testamento que realizó al abandonar Toledo e ingresar como cartujo en Granada, se sabe que pintó nueve bodegones. Ahora solo quedan dos de ellos en paradero desconocido. Seguir leyendo

Un género revalorizado

'Bodegón con caza, hortalizas y frutas'

'ARS MAGAZINE' | Bodegón con caza, hortalizas y frutas es el único Sánchez Cotán que posee El Prado. Fue adquirido en 1990 por 435 millones de pesetas gracias al Legado de Villaescusa.

FRANCISCO CALVO SERRALLER 16/09/2010

A partir de la ambiciosa exposición que dedicó A. E. Pérez Sánchez al bodegón español en 1983, Pintura española de bodegones y floreros de 1600 a Goya, se produjo un cambio espectacular en el aprecio crítico y en la estimación económica internacionales de este género en nuestro país, al que hasta entonces casi nadie prestó atención y, menos, lo consideró digno de confrontarse con los grandes especialistas de Italia y los Países Bajos.

Es cierto que se estimaba lo que realizaron figuras aisladas como Zurbarán o el primer Velázquez, pero pasaba desapercibido lo aportado por los restantes especialistas españoles del siglo XVII. El único precedente significativo en la revalorización del bodegón español fue el de la exposición que promovió Julio Cavestany en Madrid en 1935, aunque sin olvidarnos de la que llevó a cabo José López Rey en 1964 en el estadounidense Museo de Newark. Seguir leyendo

Otro coleccionismo es posible

TENER EL CORAZÓN EN EL LUGAR EQUIVOCADO Película cortometraje de 17 minutos de duración que nos adentra en el mundo y en el proceso creativo del artista José Antonio Sistiaga, pintor y cineasta que pinta sus películas de forma artesanal, fotograma a fotograma, como si de un lienzo se tratara.

TXEMA G. CRESPO – Vitoria – 16/09/2010

«El arte no tiene liquidez», advirtió ayer en el Artium Alberto Ipiña, propietario junto con su esposa Begoña Bidaurrazaga, de una de las colecciones de arte vasco más interesantes de los últimos 60 años. Se refería el coleccionista a los motivos que le han llevado a atesorar más de 400 obras que recorren la creación vasca desde referencias del renombre de Nestor Basterretxea hasta jóvenes promesas como Mikel Eskauriaza. Ayer (15/09/2010) se formalizó la cesión de 54 piezas en depósito en el centro de arte de Vitoria.

Bidaurrazaga e Ipiña representan al aficionado que todo artista desearía conocer: alguien que, más allá de diletantismos y pelotazos, se interesa por la creación por sí misma y adquiere, en la medida de sus posibilidades, obras de arte. Seguir leyendo

La pesadilla de John Lurie

John Lurie durante una actuación en Londres en 1981.- GETTY IMAGES

DIEGO A. MANRIQUE – Madrid – 04/09/2010

Se rumoreaba en el mundillo del arte visual, donde ahora se desenvuelve John Lurie: que el fundador de los Lounge Lizards vive escondido, víctima del seguimiento obsesivo de alguien que se solía presentar como su mejor amigo. Lo reveló incluso el pasado año, en una entrevista con EL PAÍS, realizada con motivo de la salida de su libro A fine example of art. Comentaba entonces: «Estoy huyendo. Una historia increíble. Un tipo, conocido, que intentó suicidarse y al que ayudé, y que ahora quiere matarme. Un loco. La policía me dijo que me fuera una temporada de Nueva York. El acoso ha sido terrorífico».

El desagradable asunto se ha hecho de conocimiento público tras un minucioso reportaje publicado en la revista The New Yorker bajo el título de Sleeping with wea-pons (Durmiendo con armas). El texto no ha gustado a Lurie ni a su círculo. El acosador, John Perry, aprovecha para hacer publicidad de sus cuadros y presentar el conflicto como responsabilidad de un Lurie arrogante e ingrato. Seguir leyendo

Corneille, último miembro del movimiento CoBrA

MIGUEL GENER | Corneille, junto a uno de sus cuadros en 1997, en Madrid.

ISABEL FERRER 07/09/2010

La muerte, el 5 de septiembre, a los 88 años, del pintor holandés Guillaume Cornelis Beverloo, conocido como Corneille, ha devuelto a la actualidad el movimiento artístico que le hizo famoso, CoBrA. Fundado en 1948 junto con otros colegas daneses (C de Copenhague), belgas (B de Bruselas) y holandeses (A de Ámsterdam), sus ideales pacifistas le acompañaron hasta el final.

CoBrA rechazó el racionalismo que provocó la II Guerra Mundial y abrazó la inocencia de los niños, el arte primitivo y la verdad de los locos. Los pintores y poetas que acompañaron a Corneille en la aventura, entre ellos el más famoso, Karel Appel, llenaron sus lienzos de trazos en apariencia infantiles. De animales y colores vibrantes, y de máscaras de inspiración africana. El éxito y las críticas no se hicieron esperar y el grupo de jóvenes airados, y con talento, actuó como un revulsivo. Seguir leyendo

Murió Bruno S., actor de «El enigma Kaspar Hauser» de Werner Herzog

EL ENIGMA DE KASPAR HAUSER / Jeder für sich und Gott gegen alle (1974) -Cada uno para sí y Dios contra todos- es la celebrada película de Herzog sobre Kaspar Hauser

M. Á. PALOMO 01/09/2010

El actor Bruno S., el rostro de Gaspar Hauser en la recordada película de Werner Herzog, quien lo denominaría «el soldado desconocido del cine alemán», murió el pasado 11 de agosto a los 78 años. Solo interpretó tres filmes en su brevísima carrera, pero aún permanece en la memoria de todos los cinéfilos.Bruno Schleinstein no era actor profesional y siempre se movió en la marginalidad: nació el 2 de junio 1932, hijo no deseado de una prostituta; a los tres años fue ingresado en un orfanato y durante 20 viviría en diferentes instituciones, hasta que Werner Herzog lo eligiese para protagonizar El enigma de Kaspar Hauser, filme que marcaría el devenir del actor. Seguir leyendo

La masa amenaza la Capilla Sixtina

REUTERS | Visitantes de la Capilla Sixtina contemplan los frescos de Botticelli, Ghirlangaio y Rosselli (de izquierda a derecha), bajo la cúpula y el frontispicio de Miguel Ángel.

MIGUEL MORA – Roma – 04/09/2010

La señora colombiana gordita y su hija, el grupo de jubilados alemanes y los casi 400 turistas que les acompañaron anoche a la inauguración de las visitas nocturnas a los Museos Vaticanos (todos los viernes de septiembre y octubre, de 19.00 a 23.00, en pases de media hora) seguramente ignoran que en el momento de rascarse la coronilla y mirar hacia arriba con la boca abierta están poniendo en peligro los frescos más famosos del mundo.

Pero se trata de una certeza. Lo acaba de advertir el director de los Museos Vaticanos: la Capilla Sixtina no respira como respiraba, y los delicados frescos de Miguel Ángel, Botticelli, Pinturicchio, Perugino o Signorelli están en peligro por culpa de las visitas cada vez más masivas, que dejan en el aire una miríada de invisibles residuos low cost: polvo, aliento y sudor, cabellos y caspa, hilos de lana, fibras sintéticas, fragmentos de piel…

Es el (sucio) precio a pagar por la globalización, los vuelos baratos y la reciente ampliación del horario de entrada a las suntuosas galerías papales hasta las seis de la tarde; la involuntaria propina que dejan los 7,3 millones de turistas que cada año contemplan extasiados (e intoxicando sin saberlo) la sagrada Capilla Sixtina. Seguir leyendo

El ‘pissarro’ de la discordia

Rue St. Honoré. Après-midi. Effec de pluie, de Camile Pissarro, en el Thyssen

MIGUEL PÉREZ / DAVID NELSON – Madrid – 01/09/2010

Parece una calle tranquila, se diría que lánguida. No tanto, si se atiende a su extraordinaria peripecia. Camille Pissarro retrató en 1897 un lluvioso paisaje parisiense en su Rue St. Honoré. Après-midi. Effet de pluie. Desde entonces, el cuadro ha pasado casi la mitad de su existencia de mano en mano, sin saber muy bien a quién pertenece. Sufrió la amenaza nazi, que provocó la separación de su dueña para que ella pudiera seguir viviendo. Ahora cuelga de una pared en el Museo Thyssen de Madrid, después de que el barón vendiera su colección al Estado español en 1993. Y desde Los Ángeles, un hombre llamado Claude Cassirer reclama desde 2001 el cuadro que los nazis obligaron a vender a su abuela. Un tribunal de esa ciudad le acaba de conceder el derecho a iniciar un litigio contra el Estado español y la Fundación Thyssen para recuperarlo, rechazando el argumento de España de que no se puede demandar a un Estado extranjero en EE UU. Seguir leyendo

El arrebato asesino de Caravaggio

Retrato de Caravaggio, por Ottavio Leoni.

Retrato de Caravaggio, por Ottavio Leoni.

SILVIA CAMPILLO 29/08/2010

Caravaggio ha venido al mundo para destruir el arte», dijo el pintor francés Poussin cuando se acercó a la obra del artista lombardo por primera vez, a finales del siglo XVI. Sin embargo, Michelangelo Merisi di Caravaggio (1571-1610) se destruyó a sí mismo. Muchos historiadores coinciden en que el artista sufría impulsividad psicopática, lo que le hacía superar los límites de la vehemencia y le convertían en un auténtico pendenciero, hasta el punto de ser capaz de atacar a alguien por el más mínimo malentendido. Sin embargo, el motivo por el cual el pintor dio muerte a Ranuccio Tomassoni, entre las 19 y las 22 horas del 29 de mayo de 1606 (según recogen Riva & Viganò en su libro Un delitto al giorno), fue por una discusión mientras se enfrentaban durante un partido de pala a corda (precursos del tenis), donde se juegaban diez escudos. Seguir leyendo

La volatilidad también es arte

Tras años de fuertes subidas, las obras de Muntean & Rosenblum han comenzado a caer de precio.

MIGUEL ÁNGEL GARCÍA VEGA 29/08/2010

Jose Mugrabi es uno de los grandes coleccionistas de arte contemporáneo. Apasionado de Andy Warhol, posee unas 800 pinturas del rey del arte pop. Teniendo en cuenta que el pintor estadounidense creó entre 1952 y 1987, año de su muerte, 8.000 cuadros, Mugrabi controla el 10% del mercado mundial de warhols. «Es una situación que en cualquier otro mercado sería considerada monopolística y, por tanto, no se permitiría», afirma el coleccionista y empresario Marcos Martín Blanco, quien también cuenta con obras de este creador en su colección.

No es un mercado pequeño el que maneja Warhol. Hablamos de cientos de millones de euros. «Al fin y al cabo, Warhol es a este elitista mundo lo mismo que el índice Dow Jones a la Bolsa», reflexiona el abogado y coleccionista Paco Cantos. De hecho, muchos competidores por la obra de Warhol han acusado a Mugrabi de manipular el mercado pujando en exceso, por ejemplo, por trabajos menores. Él se excusa argumentado que «defiende» la obra «de un artista al que ama», como la defienden sus galeristas (Larry Gagosian o Bruno Bichofberger). Seguir leyendo

Apostasía

Obra de Piero Manzoni. Tirada exclusiva de 90 latas que él mismo envasó y que contenían 30 gramos de su propia mierda, latas a las que denominó "100 % mierda de artista".

José Ángel Mañas 14/08/2010

Lo que me gusta del verano es que, con la modorra, se reduce la actividad social y uno se encuentra, de repente, con bastante tiempo para leer. Acabo de terminar, con algo de retraso, el ensayo que publicó Umberto Eco sobre la fealdad (Historia de la fealdad, Lumen 2007) y, más allá de los méritos que pueda tener el texto, me ha llamado la atención el que no ha quedado resaltado con suficiente fuerza algo que para mí es una evidencia: que se puede considerar al conjunto del arte contemporáneo, con muy pocas excepciones, como una apología de la fealdad.

Lo que supone el arte contemporáneo es, básicamente, una inversión radical de valores estéticos; un repetir, con las brujas de Macbeth, lo que es feo es bello, lo que es bello es feo (la frase también se cita en el libro). Si alguien tiene alguna duda, no tiene más que entrar en cualquier museo consagrado al arte contemporáneo y hacerse esta pregunta: ¿cuántas de las obras aquí presentes puedo considerar realmente bellas? Seguir leyendo

La Tate exhibe los grabados perdidos de William Blake

Ilustración de William Blake para El libro de Urizen.- TATE BRITAIN

WALTER OPPENHEIMER – Londres – 13/08/2010

En los años setenta, un coleccionista anónimo compró una caja con libros de segunda mano que contenía un tesoro: entre aquellos volúmenes había un folleto con los horarios del ferrocarril y, dentro de aquel folleto, ocho grabados pensados, dibujados e impresos por William Blake para acompañar tres de sus obras literarias. Esas minúsculas obras de arte fueron adquiridas en enero pasado por la Tate Gallery, que pagó por ellas 441.000 libras (535.000 euros) a ese coleccionista, que permanece en el anonimato.

Ahora, coincidiendo con el 183º aniversario de la muerte del artista, esos ocho pequeños y a menudo turbulentos grabados constituyen el plato fuerte de una exposición que, bajo el título de Románticos, ha abierto la Tate Britain en Londres. Reúne más de 170 piezas de artistas como William Turner, John Constable, Henry Fuseli, Samuel Palmer, John Martin, John Linnell, Henry Wallis, Edwind Landseer o William Etty. Seguir leyendo

Fernando Fernández, un gran experimentador del cómic español

"Zora y los Hibernautas", 1980 de Fernando Fernandez. Publicado en "1984".

ÁLVARO PONS 12/08/2010

Hay años que es mejor olvidar. Y, para la historieta española, 2010 será uno de ellos. Tras las desapariciones de Juan José Carbó, Antonio Parras o Víctor de la Fuente, el pasado 10 de agosto fallecía a los 70 años de edad y tras una larga enfermedad, Fernando Fernández.

Hay años que es mejor olvidar. Y, para la historieta española, 2010 será uno de ellos. Tras las desapariciones de Juan José Carbó, Antonio Parras o Víctor de la Fuente, el pasado 10 de agosto fallecía a los 70 años de edad y tras una larga enfermedad, Fernando Fernández. Dibujante, ilustrador, pintor, docente y teórico, fue integrante destacado del grupo de autores que impulsarían el renacimiento del cómic español en la década de los ochenta. Seguir leyendo

Guerra abierta de subastas

Foto de la Bolsa de Nueva York de Andreas Gursky

MIGUEL PÉREZ – Madrid – 09/08/2010

Como ya sucedió con el gigante energético Enron hace unos años, Lehman Brothers dirá adiós a su colección de arte contemporáneo para ayudar a pagar la enorme deuda que arrastra desde su quiebra en 2008. Las posesiones artísticas de este banco centenario se venderán al mejor postor el próximo septiembre en sendas subastas casi simultáneas en los dos templos por excelencia de la puja : Christie’s, en Londres, y Sotheby’s, en Nueva York.

La empresa auditora que administra los activos del banco desde la quiebra, Pricewaterhouse Coopers (PwC), confirmó ayer que Christie’s será la encargada de subastar la colección de arte contemporáneo que decoraba las oficinas de Lehman Brothers en Reino Unido. Seguir leyendo

El álbum secreto de Frida Kahlo

NICKOLAS MURAY | Frida Kahlo en Nueva York, 1946.

GREGORIO BELINCHÓN – Madrid – 08/08/2010

Como la mayor de las riquezas secretas en una isla del tesoro, las joyas estaban allí, encerradas, sin que nadie supiese lo que ocultaba el archivo. Pocas veces el mundo del arte se ha visto conmocionado con un descubrimiento así. Cuando Frida Kahlo falleció en 1954, con 47 años, Diego Rivera donó la Casa Azul de Coyoacán al pueblo de México para que se convirtiese en el museo de Kahlo. Sin embargo, los archivos fotográficos de la artista eran también los de él (en vida, ella los había fusionado en uno) y Rivera los guardó. Poco antes de morir, pidió a su albacea, Lola Olmedo, que sus papeles no vieran la luz hasta 15 años después de su muerte. Durante 50 años aquellos armarios y cómodas repletas de fotografías permanecieron sellados. Hasta que en 2006 la luz iluminó sus secretos.

Y aparecieron 6.000 fotografías. Vibrantes, familiares, artísticas, dedicadas, personales, inspiradoras, turísticas, trucadas, recortadas y algunas, solo algunas, hechas por la misma Kahlo. Seguir leyendo

La odisea secreta de Carl Jung

Ilustración de El Libro Rojo, de Carl Jung, publicado por Norton & Company.

ANDREA AGUILAR 24/07/2010

El misterioso manuscrito de El Libro Rojo, que el autor no quiso incluir en sus Obras completas, fue publicado el año pasado en Estados Unidos y en Alemania. Ahora está en marcha la edición facsímil en español de la «biblia del subconsciente»

El Libro Rojo ha sido un mito entre los entendidos, un secreto guardado bajo llave en la caja fuerte de un banco suizo hasta el pasado otoño. Su autor, Carl Jung (1875-1961), uno de los padres de la psicología moderna, pasó 16 años entregado a un proyecto «secreto» y paralelo a su trabajo como psiquiatra. Años después de haber planteado abiertamente sus divergencias con Freud, una crisis personal le llevó a emprender un viaje interior que plasmó con esmero en un gran volumen encuadernado en piel roja, el llamado Libro Rojo. En las primeras páginas de la misteriosa obra escribe: «En ese momento, el año 40 de mi vida, había alcanzado todo lo que un hombre puede desear en su vida». Los honores, el conocimiento, la familia y el bienestar no eran suficiente. Jung decidió buscar su alma. «Tuve que aceptar que lo que había calificado previamente como mi alma era un sistema muerto». Seguir leyendo

Prestigios florentinos

Retrato de Giovanna Tornabuoni pintado por Domenico Ghirlandaio

RAFAEL ARGULLOL 19/07/2010

Disfrutando de la exposición del Museo Thyssen en torno al retrato de Giovanna Tornabuoni pintado por Domenico Ghirlandaio no tuve más remedio que pensar, una vez más, en el enigma creativo de la Florencia del Renacimiento. Dicho de otro modo: tras la silueta perfecta de Giovanna, más allá de su cuello largo y refinado, se escondía un extraño mundo lleno de violencia que había albergado la mayor concentración de talentos artísticos de la Historia. ¿Cómo podía haber sucedido esto en una ciudad relativamente pequeña, diezmada por la peste negra y sometida a una implacable guerra de clanes de la que ya había dado testimonio Dante en La divina comedia?

Recuerdo que esta pregunta me fascinaba ya hace mucho tiempo cuando, como estudiante, me planté en Florencia para realizar una tesis doctoral que nunca llegaría a su fin. La primera vez que uno va a Florencia se da cuenta de que lo que allí hay supera con mucho lo que hubiera podido imaginar. Seguir leyendo

Turner o la impostura

Snow Storm-Steam-Boat off a Harbour's Mouth. JMW Turner. 1842. Óleo sobre lienzo.

VICENTE VERDÚ

No es precisamente hermosa o jovial la exposición Turner y los maestros que se expone actualmente en el Museo del Prado. Oscura, tenebrosa, abrumadora, desasosegante, el recorrido va conduciendo por una de esas muestras que, si también atraen al turista, no lo retribuyen ni con el azúcar a granel de Sorolla ni con las aromáticas violetas de Monet. Aquí, con Turner, se trata de un paisaje como de ultratumba que traspasa grandes escenarios tan brumosos que podrían haber nacido todos en la laguna Estigia. Inquietud y malestar entre una luz que, en su mayoría, es palmatoria, mortecinos o enfermos los focos que bañan el cuadro.

Y no solamente se trata de la luminotecnia interior, sangrante y ayuna, sino que Turner (1775-1851) es por sí un autor que, si se exceptúan sus acuarelas, parece volver mísera y rancia aún la más bella influencia del pretérito. Seguir leyendo

«Hay otros ‘velázquez’ por descubrir»

Inedito de Velazquez

El lienzo inédito atribuido a Velázquez La educación de la Virgen. John Marciari.- EFE

ÁNGELES GARCÍA

La noticia del descubrimiento de una obra inédita de Diego Velázquez, La educación de la Virgen, en los sótanos del museo de la Universidad de Yale, fue recibida ayer en el mundo del arte con tantas dosis de indisimulada satisfacción como de irremediable cautela. La sensación generalizada tras recabar la opinión de los expertos es que, a simple vista, nadie duda de la autoría del genio sevillano. Pero, en general, las autoridades en la obra del autor de Las meninas piden paciencia hasta conocer las opiniones de la internacional de expertos que, en los próximos días, intentarán contemplar el cuadro con sus propios ojos.

Y no solo no existen casi dudas acerca de la autoría de La educación…, sino que una autoridad indiscutible en este terreno como Jonathan Brown, está convencido de que hay más obras inéditas de Velázquez aún por descubrir. «Así lo indican las fuentes históricas en las que se habla de cuadros que hoy en día se desconocen». Seguir leyendo